Faculté des arts et des sciences – Département d'histoire de l'art, de cinéma et des médias audiovisuels - Thèses et mémoires
URI permanent de cette collectionhttps://hdl.handle.net/1866/3000
Cette collection présente les thèses et mémoires des étudiant.e.s du Département d'histoire de l'art, de cinéma et des médias audiovisuels de l'Université de Montréal.
2008 - : Couverture exhaustive
avant 2008 : Période non couverte ou couverture partielle
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Item Accès libre Pour la beauté du geste : le design d'interaction au service de la jouabilitéJacquet, Hugo; Perron, Bernard (2024-08)Ce mémoire vise à identifier et analyser les qualités esthétiques de la jouabilité. Le premier chapitre est d’abord l’occasion de comprendre l’interaction et les principales théories qui la sous-tendent : agentivité, intégration humain-machine, perception active, etc. Nous entamons ensuite un bref survol des grandes idées de l’esthétique, depuis l’Antiquité jusqu’au XVIIIe siècle. Car s’il est souvent difficile de s’entendre sur une esthétique du jeu vidéo, c’est bien parce que tous les appareils méthodologiques avec lesquels nous appréhendons la beauté sont l’héritage d’un oculocentrisme qui font primer l’esprit pur sur le corps imparfait. Or, nous verrons que la pratique du jeu vidéo est surtout une pratique du (double-)corps : le corps physique qui agite ses mains et ressent l’excitation, la frustration ou la terreur ; et le corps virtuel qui foule le paysage vidéoludique. Pour en apprécier le potentiel esthétique, nous dédions le second chapitre à l’exploration d’une approche expérientielle de l’esthétique, inspirée par le naturalisme de John Dewey et la soma-esthétique de Richard Shusterman. Nous verrons comment les chercheurs et concepteurs s’emparent du design interactif pour imaginer des interactions informatiques plus belles, parfois même moins fonctionnelles. En jeu vidéo, observer les interactions sous ce nouveau prisme révèle la posture double du joueur, à la fois performateur et observateur de sa propre expérience esthétique. Le troisième et dernier chapitre sera le moment d’appliquer au jeu vidéo les critères esthétiques nommés par Jonas Löwgren : la pliabilité notamment observée dans From Dust (2011), le rythme de Hi-Fi Rush (2023), la tension dramatique nichée dans les interactions de Detroit: Become Human (2018), et la fluence de Sayonara Wild Hearts (2019). On montrera que ces critères aident à tracer les contours d’une interaction « parfaitement » esthétique.Item Accès libre Écouter pour animer : présence, son et matérialité dans le cinéma d'animation de peinture sur verreLaliberté, Jocelyne; Dallaire, Frédéric (2024-08)Le cinéma d’animation est une discipline dans laquelle une construction maîtrisée, idéalisée, fantaisiste, voire désincarnée du monde est privilégiée. Force est de constater qu’il y a, la plupart du temps, une volonté de ses créateurs d’effacer les traces physiques de leur travail dans leurs œuvres, jumelée à une négation de la matérialité inhérente à leur technique. C’est le désir de proposer une alternative aux pratiques dominantes du cinéma d’animation qui est à l’origine de ce travail de recherche-création. Je m’attaque à cette tâche en posant la question suivante : quels sont les modes de présence possibles en animation? À travers la réalisation de deux essais d’animation à la peinture sur verre et le présent mémoire, différentes pistes sont envisagées pour tenter d’y répondre. Je me pencherai entre autres sur les notions d’écoute et de corporéité.Item Accès libre Pour une approche esthétique de la symétrie, l’asymétrie et la dissymétrie dans le cinéma d’Abdellatif Kechiche, Yórgos Lánthimos, Lucrecia Martel et Céline SciammaVan der Elst, Charlotte; Froger, Marion; Nasta, Dominique (2024-12)Cette thèse, inscrite dans les études cinématographiques, a pour objectif de réaliser une analyse esthétique / formelle de figures symétriques, asymétriques et dissymétriques présentes dans des films qu’il s’agira de définir et ensuite d’identifier. L’origine de notre projet vient de l’observation qu’au cours de l’histoire, la symétrie fut un rapport de mesure prôné par de nombreuses disciplines, érigée comme norme de beauté vectrice d’un sentiment de satisfaction dans les arts. Sa valeur contemplative est en partie naturelle, puisque notre cerveau a davantage de facilité à percevoir les objets aux contours nets et délimités. D’autre part, elle est apprise artificiellement en raison de notre exposition à des environnements architecturaux construits selon des rapports symétriques. C’est aussi le cas en raison du contexte culturel dans lequel nous sommes immergés aujourd’hui, où la chirurgie esthétique et le numérique proposent des corps lisses et sans imperfections. La dissymétrie, la symétrie décalée, le défaut, est souvent vue comme une anomalie dans le système, mais peut devenir une intégration esthétique volontaire afin de susciter notre curiosité. Cependant, au cinéma, un plan symétrique peut aussi capter rapidement notre attention. Ainsi, plutôt que de s’intéresser aux effets des formes sur le spectateur, qui dépendent d’une personne à l’autre, nous souhaitons faire un pas de côté face à cette tradition. Nous tenterons de considérer les formes comme génératrices d’affects sans leur donner une valeur qualitative, comme le proposait déjà Immanuel Kant dans sa Critique de la faculté de juger (1790). Notre thèse présentera donc dans un premier temps un état de l’art. Elle établira les techniques significatives (telles que la perspective en peinture au 15e siècle ou encore le nombre d’or dans l’architecture antique) ainsi que les caractéristiques esthétiques de certains courants. Ces derniers jouent entre mouvement symétrique, asymétrique ou dissymétrique (l’aplatissement de la perspective par le cubisme ou le procédé de répétition sérigraphique du pop art). Dans un second temps, nous réaliserons les analyses de cas. Elles seront structurées selon la proposition d’Eugenie Brinkema dans son dernier ouvrage Life-Destroying Diagrams (2021), qui construit son raisonnement en procédant à l’analyse de chaque film à partir d’un affect / concept en particulier. Nous ferons une étude esthétique des formes symétriques, asymétriques et dissymétriques que nous aurons définies au cours de l’argumentaire. Nous les prendrons comme des fils conducteurs, des motifs à travers des films choisis dans la filmographie d’Abdellatif Kechiche, Yórgos Lánthimos, Lucrecia Martel et Céline Sciamma. À terme, notre investigation ouvrirait des pistes de discussions supplémentaires. Ces pistes pourraient inclure la réflexion psychologique sur la manipulation du spectateur par les formes, ou encore la possibilité d’une analyse sociopolitique de la pensée symétrique / binaire qui structurerait les systèmes totalitaires (Morin, 1990).Item Accès libre Éric Rohmer et l’amour : analyse du phénomène amoureux et de sa représentation dans La collectionneuse, Ma nuit chez Maud et Le genou de ClaireLanglois, Mélanie; Cardinal, Serge (2024-08)Ce mémoire traite de la représentation de l’amour dans le cinéma d’Éric Rohmer, plus particulièrement dans trois films appartenant à la série des contes moraux : La collectionneuse (1967), Ma nuit chez Maud (1969), et Le genou de Claire(1970). Ce mémoire tentera de brosser un portrait de la vision rohmérienne de l’amour à travers deux thèmes clés constituant le phénomène amoureux : le désir et la séduction. Il s’agira de mettre en lumière la façon dont ces trois films utilisent l’amour comme un moyen de révélation d’un besoin ontologique plus grand. Je tâcherai d’établir comment, dans La collectionneuse, l’amour s’ancre dans une réification du désir. J’approfondirai le rôle de la parole comme moyen de libération du désir et des affects en passant par l’importance de l’espace comme reflet des émotions et des sentiments. Dans le cas de Ma nuit chez Maud, il s’agira de montrer comment la vision rohmérienne de l’amour s’inscrit dans une forme de pragmatisme : il faudra alors analyser le rapport entre l’amour et la charnalité du désir, tout en mettant en évidence la question du hasard et du destin dans la vision rohmérienne de l’amour. Je terminerai cet essai en revisitant le phénomène amoureux comme exercice de morale, et c’est Le genou de Claire qui permettra de mettre en relief ce désir de domination et de perversion inhérent à la représentation du phénomène amoureux.Item Accès libre Comment le hockey est-il vecteur de nationalisme dans le cinéma québécois des années 1960 et 1970?Laurin-Pagé, Jérémie; Raynauld, Isabelle (2024-08)Ce mémoire de maîtrise propose d’examiner le rôle du hockey comme vecteur de nationalisme dans le cinéma québécois des années 1960 et 1970. L’analyse de quatre films produits à l’Office national du film du Canada : Le sport et les hommes (1959) d’Hubert Aquin, Un jeu si simple (1964) de Gilles Groulx, Un travail comme les autres (1972) de Pierre Letarte et Les « troubbes » de Johnny (1974) de Jacques Godbout décèlent les manifestations de l’identité culturelle et sociale du Québec durant cette période. Abordant des thèmes et des sujets comme la langue, la religion, les Canadiens de Montréal, Maurice Richard, le territoire ainsi que le rapport entre les spectateurs et les joueurs, ce projet de recherche démontre comment le hockey représente un symbole de fierté reflétant les luttes d’une société en quête de reconnaissance.Item Accès libre Un temps dans la chambre 343 : une étude du deuil blanc à travers une installation visuelle et sonoreDelacroix-Lavoie, Julie; Perron, Bernard (2024-08)Le deuil blanc regroupe l’ensemble des sentiments éprouvés et déplorés par les proches d’une personne atteinte de la maladie d’Alzheimer, ou d’un trouble de démence du même type (DTA). Sur une période souvent variable, la personne atteinte voit le déclin de l’entièreté de ces capacités cognitives, physiques et affectives. Ses proches accompagnent de très près ses pertes consécutives et c’est ce qui provoque le deuil blanc. Celui-ci constitue le cœur de mon projet de recherche-création. Je présente dans l’installation le regard de la fille qui doit investir autrement la relation changeante qu’elle a avec son père depuis l’annonce de son diagnostic. La création est une expérience qui place, pour un temps indéterminé, le spectateur.trice dans l’espace de la chambre 343, la dernière demeure de mon père atteint de la maladie d’Alzheimer. Le mémoire propose dans un premier temps les tenants et aboutissants du deuil blanc, plus particulièrement le contexte dans lequel il est amené à se développer et à évoluer. La recherche l’explore à travers la proche aidance, la maladie d’Alzheimer, les rapports relationnels et le deuil à travers différentes perspectives (médical, philosophique, social, psychologique etc.) Je m’appuie sur divers auteurs afin d’appuyer mon propos tel que Hanus, Bacqué, Longneaux, Pitaud, Barthes et Malaquin-Pavan et Pierrot. Dans un deuxième temps, j’explore le volet méthodologique du travail d’écriture de la narration. À la lumière de mes recherches, j’ai voulu ajouter un élément contextuel du deuil blanc qui serait plus intime. J’explique pourquoi mon choix s’est porté sur les méthodes d’art-thérapie et d’écriture autofictive pour écrire ma narration et en quoi leurs utilisations m’auront été salutaires dans le cadre d’un projet de maîtrise aussi personnel. Finalement, dans le troisième et dernier chapitre, j’aborde la réalisation de l’installation et la représentation du corps de mon père et du mien. Pour la réalisation du corps de mon père j’ai utilisé trois écrans sur lesquels j’ai fait jouer des vidéos différentes. Ces dernières ont été créées à partir de dessins d’observation de mon père que je faisais lorsque j’allais le visiter dans sa résidence. Les éléments audios quant à eux permettent la reconstitution sonore de l’espace à l’intérieur et à l’extérieur de la chambre. J’explicite ainsi toutes les idées derrière la conception visuelle et sonore de ma création et je détaille la mise en espace et les méthodes utilisées pour la diffusion du projet.Item Accès libre Ginevra Cantofoli (1618-1672), disciple d’Elisabetta Sirani : réception et historiographie d'une femme peintre dans la Bologne du XVIIe siècleBastille, Maude; Ribouillault, Denis (2024-04)Ce mémoire porte sur la réception historiographique de la peintre bolonaise Ginevra Cantofoli (1618-1672). Considérée comme l’élève la plus connue d’Elisabetta Sirani (1638-1665) par les biographes locaux, Cantofoli n'a pas bénéficié de la même attention de son vivant et dans les siècles suivants que sa maestra. En 2006, Massimo Pulini écrivait la première et seule monographie dédiée à Cantofoli dans laquelle le chercheur établissait un corpus de tableaux de jeunes femmes enturbannées basé sur l’Autoportrait en Allégorie de la Peinture de la Pinacoteca di Brera à Milan. Pourtant, comparativement à la tendance des vingt dernières années où sont attribués de plus en plus d’oeuvres à des artistes femmes, les recherches récentes ont identifié le peintre flamand Luigi Gentile (1606-1667) comme l’auteur du premier corpus attribué à Ginevra Cantofoli. Ce travail interroge comment l’attributionnisme façonne le discours de l’histoire des artistes femmes. Pourquoi y a-t-il un vide documentaire autour de certaines artistes ? Comment discuter de celles-ci malgré les lacunes? À partir d'approches féministes, il sera question de retracer comment Cantofoli est devenue l’élève, l’apprentie et la copiste de Sirani dans l’historiographie. Cette relation nous amène à questionner la copie dans le contexte de l’atelier et de l’inscription de Cantofoli dans celui-ci. La répétition des œuvres par la copie ouvre sur la réception du Portrait présumé de Beatrice Cenci pour voir comment les nombreux volte-face de l’attributionnisme créent des mythes et des légendes autour de certaines œuvres.Item Accès libre Une anomalie dans le paysageCaraballo, Félix; Raynauld, Isabelle (2024-12)Ce mémoire, reprenant les allées et les venues entre ma pratique artistique et les recherches que j’ai effectuées, explore la construction d’une démarche de recherche-création tâtant les différentes avenues possibles dans les pratiques alternatives d’un cinéma de proximité avec son propre médium ainsi qu’avec le milieu naturel. Être une anomalie dans le paysage, comme quoi, même de nos jours, il est pertinent et actuel de créer de manière analogique avec des composantes provenant de la nature. Cette recherche de proximité avec le médium sera influencée par Maya Deren et son œuvre. Une cinéaste qui, de par son lien étroit avec la pellicule et sa caméra, a su manipuler le cinéma comme une forme de langage à la fois spécifique au médium et comme forme d’expression artistique personnelle. Ce premier segment du mémoire établit le lien entre l’artiste et le médium comme deux entités individuelles devant apprendre l’une de l'autre pour réussir à créer. La recherche de proximité avec le milieu naturel s’articule autour d’observations sur le lien unique unissant certains artistes aux paysages. Rendre hommage aux paysages, mais aussi se servir du paysage pour créer différemment. Cette deuxième partie aborde, entre autres, différentes techniques écologiques utilisées dans le cinéma expérimental. La troisième et ultime partie du mémoire décrit la démarche artistique derrière l’œuvre Anomalies dans le paysage. Projet de recherche-création ayant tenté de réunir la recherche de proximité avec le médium, la recherche de proximité avec milieu naturel et l’artiste.Item Accès libre La jetonisation de la propriété intellectuelle des œuvres cinématographiques et audiovisuelles via la chaîne de blocs : usages et enjeux transnationaux 2020-2024Morales Gaitán, Katia Andrea; Gaudreault, André; Creton, Laurent (2024-12)Cette thèse explore les multiples impacts des chaînes de blocs sur le secteur du cinéma, en analysant leurs répercussions épistémologiques, juridiques et financières, ainsi que les défis et opportunités qu’elles suscitent. La question centrale de l’étude porte sur les transformations de la valorisation de la propriété intellectuelle des œuvres cinématographiques et audiovisuelles induites par l’implantation des plateformes de chaînes de blocs entre 2020 et 2024. La recherche empirique de cette thèse repose sur l’observation des réseaux d’acteurs et des pratiques de valorisation des droits d’auteur au sein des plateformes de chaînes de blocs. Grâce à une analyse croisée de discours, d’entretiens, d’études de cas et d’une revue exhaustive de la littérature, une typologie des projets utilisant la chaîne de blocs a été établie, mettant en lumière la diversité de leurs applications : des marchés de NFT aux plateformes de gestion de revenus. Les résultats de l’étude montrent que, bien que les chaînes de blocs promettent de révolutionner le secteur audiovisuel, elles reproduisent souvent des dynamiques néocoloniales et accentuent les asymétries entre les propriétaires et les utilisateurs. La thèse souligne l’importance de l’élaboration de législations transnationales pour garantir un accès équitable aux œuvres et promouvoir la diversité dans le financement et la représentation des artistes.Item Accès libre L’exercice supérieur de l’écoute au cinéma : explorations théoriques et pratiques d’un monteur sonore devenu personnage conceptuelGervais, Simon; Cardinal, Serge (2024-08)Cette thèse de recherche-création problématise ma pratique de monteur sonore de sorte à dégager les traits d’un exercice supérieur de l’écoute au cinéma. Pour ce faire, je m’engage dans une auto-poïétique et cherche ainsi à faire du monteur sonore que je suis un personnage conceptuel (Deleuze et Guattari). L’hypothèse principale est la suivante : le monteur sonore serait une « manifestation vivante » des mouvements et des modes d'existence de l'écoute au cinéma. Dressant le portrait du monteur sonore en penseur de l’écoute, je me propose entre autres de répondre au manque d'intérêt des théories du cinéma pour la diversité des formes d'écoute — ces théories s’étant plutôt concentrées sur le son comme matière d'expression. Dans un premier temps, je cherche à faire entendre la complexité de l'écoute au cinéma en faisant du montage sonore le lieu de sa conceptualisation : l'exercice supérieur de l'écoute est enveloppé dans l'exercice ordinaire du monteur sonore. Les gestes de composition du monteur sonore, repérés dans Punch-Drunk Love (Paul Thomas Anderson, 2002) et Bermudes (Nord) (Claire Legendre, 2018), deviennent alors les moyens par lesquels décrire et conceptualiser l’écoute au cinéma tout autant que la richesse de l’expérience audio-visuelle. Dans un deuxième temps, je mets de l’avant l’idée d’une désynchronisation du processus de montage sonore. Cette désynchronisation n'est pas seulement technique (format de fichier OMF, plugiciels de montage sonore), elle est aussi et surtout poétique et poïétique (monteur-au-mixage, pratiques collaboratives) : d’une part, elle aménage des opportunités pour repenser et enrichir les pratiques de montage et l’écoute au cinéma ; et, d’autre part, elle valorise l’inachèvement et l’ambiguïté fructueuse comme concepts essentiels à la création cinématographique. Dans un troisième et dernier temps, je m’engage dans la fabrication du personnage conceptuel du monteur sonore. Partant de mes expériences de montage sonore pour les films Bermudes (Nord), Nuits (Diane Poitras, 2014) et Bà nôi (Khoa Lê, 2013), je dégage peu à peu les traits d’un personnage conceptuel qui rendent visible, audible et pensable l'écoute du monteur sonore, ses gestes tout à la fois créateurs et analytiques, qui transforment le matériau sonore en une expérience significative et expressive — un exercice supérieur de l’écoute au cinéma.Item Accès libre Le Prince-cardinal Maurice de Savoie (1593-1657) et l’univers culturel du jardin : art, science et politiqueFiore, Anna Maria; Ribouillault, Denis (2024-04)Ce mémoire a comme objectif de documenter la réalité matérielle, la sociabilité et la perception par les acteurs de l’époque d’un univers culturel de jardin méconnu de la première modernité, celui de l’Académie des Solitaires du prince-cardinal Maurice de Savoie (1593 – 1657). Il constitue un laboratoire philosophique et scientifique remarquable pour comprendre la construction de la fabrique culturelle d’un paysage de la Renaissance dans un État européen excentré : le Duché de Savoie. L’approche méthodologique interdisciplinaire combinant les méthodes de l’histoire de l’art et de l’anthropologie a permis d’identifier les principaux facteurs socio-politiques et culturels ayant contribué à la création et à la transformation de cet univers. Cette dissertation se compose de quatre parties. L’introduction présente le sujet de recherche, le corpus, le cadre conceptuel et la méthodologie. Le premier chapitre identifie des traces matérielles de ce jardin. De plus, il propose une nouvelle interprétation de la toile l’Allégorie de l’agriculture, de l’astronomie et de l’architecture (vers 1620 – 1625) de Dominiquin en lien avec sa série picturale et des créations littéraires associé à cet univers culturel. Le deuxième chapitre présente une analyse comparative de la gravure Le jardin de l’Académie des Solitaires (1654) de Giovenale Boetto à la lumière d’œuvres littéraires phares de la pensée conceptiste piémontaise d’Emanuele Tesauro (1654, 1671). La conclusion présente une réflexion sur les résultats et des pistes de recherche pour l’avenir. Cette étude a permis d’identifier et de corréler des traces de la réalité matérielle de ce jardin avec les œuvres du corpus. De plus, certains médiateurs clés dans la transformation de cet univers culturel ont été identifié comme le cardinal Aldobrandini, le pape Urbain VIII, le mathématicien Nicéron et l’écrivain Tesauro. L’étude croisée de la gravure de Boetto et des textes de Tesauro a aussi mis en lumière la sociabilité de l’univers culturel de ce jardin hétérotopique animé par le dialogue des pensées de la première modernité. En outre, elle a mis en évidence son rôle dans la définition de l’image épique de ce prince. L’hypothèse de recherche initiale sur l’importance des transferts artistiques et culturels dans la métamorphose de cet univers culturel a été confirmée.Item Accès libre Les fonctions des images dans le théâtre contemporain : Cinq visages pour Camille Brunelle et Tout ce que je sais du roi SalomonLafrenière, Kenny; Asselin, Olivier (2024-12)Ce mémoire explore la place qu’entretient la projection de l’image audio-visuelle au théâtre. Plus précisément : est-ce que cette technologie peut réellement venir mettre en question le postulat qui veut que le théâtre soit indéfectiblement lié à l’imitation d'une action ? Premièrement, nous abordons l’histoire de l’utilisation des technologies sur la scène à partir de l’ouvrage Entangled : Technology and the Transformation of Performance de Chris Salter et Les écrans sur la scène dirigé par Béatrice Picon-Vallin. Ensuite, nous tentons de comprendre les usages à partir des classifications de Louise Poissant dans « Performativité et technologies au théâtre: procédés précurseurs » de la revue Théâtre/Public et Face à l’image de Ludovic Fouquet et Robert Faguy. En troisième lieu, nous explorons la stratégie d’utilisation du flou pour jouer avec l’illusion de la représentation au théâtre d’après l’article « Le flou : la déchirure de l’image au surgissement de l’écran » dans la revue Écrans. Ces notions seront analysées à travers la pièce Cinq visages pour Camille Brunelle de Guillaume Corbeil, mise en scène par Claude Poissant, ainsi que la création associée à ce mémoire, Tout ce que je sais du Roi Salomon de Paul Beaudon, mise en lecture par Julien-Claude Charlebois. Cette dernière, dont nous avons conçu les projections et la scénographie, a été présentée au Centre d’essai de l’Université par la Troupe de Théâtre de l’Université de Montréal en décembre 2023. La conception comprend quatre écrans disposés de chaque côté des interprètes où des images tournées sur le Mont-Royal et en studio sont projetées à partir d’un logiciel de mapping.Item Accès libre La Mosquée des Omeyyades de Damas : dévoiler l'importance de sa constructionKassab, Hayat; Tanton, Kristine (2025-03)La Grande Mosquée des Omeyyades de Damas, construite entre 706 et 715 sous le calife Al-Walid Ier, représente un chef-d'œuvre architectural et un symbole politique et religieux majeur de l'Empire omeyyade. Érigée sur les vestiges d'un temple romain et d'une basilique chrétienne, elle incarne la transition et la continuité entre différentes civilisations. Son architecture, influencée par la maison du prophète à Médine, intègre des éléments byzantins et sassanides, créant un langage artistique distinctif qui inspirera les mosquées ultérieures. Par son plan, ses ornements et ses symboles, elle traduit la volonté des Omeyyades d’affirmer leur pouvoir et leur légitimité religieuse. Ce mémoire explore l’importance de la mosquée sous ses dimensions politique, culturelle et artistique, tout en analysant son influence durable sur l’architecture islamique.Item Accès libre Former c’est normer : le développement de l’enseignement technique cinématographique en France (1915-1937)Osi, René; Gaudreault, André; Barnier, Martin (2024-12)S'appuyant sur des archives inédites ou peu exploitées, cette thèse examine le développement de l'enseignement technique cinématographique en France entre 1915 et 1937. Elle montre que la scolarisation des techniques, initiée par l'État et les acteurs industriels, se réalise en l'absence d'impératifs économiques ou technologiques majeurs. Cette démarche, bien que déconnectée des besoins immédiats du marché, révèle que les différentes parties cherchent à renforcer leur influence sur l'industrie du film. L'analyse du projet inabouti d'une école nationale de photographie et de cinématographie en 1919, ainsi que de la création de l'École technique de photographie et de cinématographie en 1926 par les fabricants et marchands d'appareils, montre comment ces initiatives ont alimenté les débats entre l'État et les industriels. La formation, d'apparence neutre et dénuée de poids normatif, est en réalité un espace stratégique que chacun souhaite contrôler pour orienter l'évolution du secteur. Alors qu'on considère généralement que les échanges entre l'État et les industriels se focalisent sur des questions de fiscalité et de régulation du marché, surtout à partir des années 1930, cette recherche montre, à travers l'exemple de la scolarisation des techniques cinématographiques, que les dynamiques institutionnelles sous la Troisième République se révèlent plus nuancées dans leurs enjeux et se développent progressivement dans le temps.Item Accès libre La réception des courts métrages de fiction québécoisGhaderi Ghalehno, Aynaz; Froger, Marion (2024-12)Cette étude se concentre sur la réception esthétique des courts métrages de fiction québécois, un domaine peu exploré en études cinématographiques, souvent perçu comme moins populaire que d'autres productions audiovisuelles. L'objectif est de déterminer l'influence du contexte historique, culturel, de production et de diffusion sur l'appréciation du public envers cette forme cinématographique. La recherche vise également à mettre en lumière la singularité esthétique du court métrage de fiction québécois et à analyser sa réception et ses effets esthétiques. Une approche sémiostylistique, inspirée des travaux de Georges Molinié, est adoptée pour étudier les films dans leur contexte et leur forme esthétique. La première démarche est historique, examinant le processus de production et de diffusion, ainsi que le rôle des festivals et des plateformes numériques. La seconde démarche se concentre sur l'analyse esthétique formelle et générique des courts métrages sélectionnés dans le cadre de festivals renommés.Item Accès libre L’emploi des 5 méthodes de montage d’Eisenstein dans les bandes annonces Québécoises présentées en salles et sur les sites de streamingSporns, Charles-Antoine; Raynauld, Isabelle (2025-03)Alors que les bandes-annonces de films en ligne se retrouvent en concurrence pour capter l’attention des spectateurs sur des plateformes en ligne saturées, des techniques de montage spécifiques sont employées dans les bandes-annonces diffusées sur les sites de streaming pour attirer et retenir cette attention. Ce mémoire de recherche propose une méthodologie permettant de comparer les techniques de montage utilisées dans ces bandes-annonces en ligne avec celles employées dans les bandes-annonces projetées en salles de cinéma en s’appuyant sur les cinq concepts de la théorie du montage soviétique de Sergei Eisenstein. Une analyse de quatre bandes-annonces (deux pour le cinéma et deux en streaming) examine la durée des plans, le contenu, afin de voir si les méthodes de montage utilisées peuvent être comparées, voire s'apparenter, en termes de techniques et d'impact sur la perception du spectateur aux cinq concepts de la théorie du montage développés par Eisenstein. Les résultats confirment que le montage rythmique est la méthode la plus employée et que le montage métrique prédomine davantage dans les bandes-annonces en streaming. En revanche, l'hypothèse selon laquelle le montage tonal serait plus fréquent en streaming n’a pas été corroborée : il y est utilisé 8 % de moins que dans les bandes-annonces pour le cinéma. Une description de la création liée à ce mémoire est également incluse. Nous avons monté deux bandes-annonces pour le film de Sergei Eisenstein Le Cuirassé Potemkine (1925) dans les styles d’une bande-annonce contemporaine présentée en salles, puis d’une bande annonce contemporaine de streaming, basé sur les données de notre analyse.Item Accès libre Un cinéma de l’obsession : Black Swan et la construction du personnage de l’artiste obsédéAbi-Nahed, Marianne; Gaudreault, André (2025-02)L'objectif principal de cette recherche est d'analyser comment Black Swan (2010) construit un récit où l'obsession occupe une place centrale. À travers l'examen des personnages du film, en particulier de la protagoniste, une danseuse de ballet, et des dynamiques entre elle et les autres figures clés de l'histoire, cette étude vise à explorer comment l'obsession se développe et est représentée. Ce mémoire aborde diverses thématiques présentes dans le film, telles que les rôles de genre, la psychologie, les dynamiques de pouvoir, les relations et le vieillissement. En menant une analyse approfondie de Black Swan ainsi que d'autres films pertinents, la recherche explore également les techniques cinématographiques et les outils utilisés pour intensifier ces thématiques, mettant en lumière la nature destructrice de l'obsession et son impact sur l'identité et l'ambition artistique.Item Accès libre Paysages et jardins de l'avant-garde états-unienne : du psychodrame au cinéma lyrique, du film structurel à l'écocinémaVolbeda, Edo; Habib, André (2025-02)Cette thèse se penche sur la représentation du paysage naturel, ainsi que du jardin, au sein de l’avant-garde cinématographique états-unienne de l’après-guerre. Notre objectif consiste d’une part à révéler comment la mise en image de l’étant naturel constitue un enjeu de premier plan pour cette scène artistique. Cette banque d’images prenant forme au fil du texte autour de nos motifs de choix, on verra d’autre part comment elle entre en dialogue avec les autres arts, et s’inscrit dans l’histoire cinq ou six fois séculaire du paysage occidental. Là où la légitimité et l’autonomie du paysage sont attestées de longue date en peinture (et dans la photographie), il ne constitue pas au cinéma un genre à proprement parler. Pourtant, des cinéastes comme James Benning, Stan Brakhage et Peter Hutton ont bien réalisé des œuvres comparables : d’authentiques « films de paysage(s) ». Peut-on imaginer alors ici un corpus cohérent, en miroir de l’école de l’Hudson sur le même continent ? Afin de l’établir, cette thèse entend d’abord définir le contexte au sein duquel ces films peuvent être étudiés côte à côte. Plutôt que de prendre ces notions pour acquises, il s’agira de définir mutuellement le paysage et le cinéma expérimental pour découvrir leurs points de rencontre. Par ailleurs, toute représentation de la nature n’étant pas forcément un paysage, la catégorie du jardin nous permettra de reconnaître d’autres gestes créatifs, et de mettre en lumière la place occupée par d’autres cinéastes (dont Marie Menken) au sein de cette généalogie. Une série d’études de cas et d’analyses filmiques nous fera découvrir l’émergence graduelle de notre objet d’étude, depuis les débuts de l’avant-garde au milieu des années 1940, jusqu’à l’orée du XIXe siècle. En explorant les enjeux esthétiques, techniques, et parfois biographiques des œuvres abordées, il s’agira d’abord de comprendre comment chacun des cinéastes étudiés s’est approprié le paysage (ou le jardin), avant d’envisager les points de convergences entre leurs filmographies. Le premier chapitre se penche principalement sur trois cinéastes – Maya Deren, Menken et Brakhage – et embrasse les deux premières décennies de la scène (de 1943 à 1964). Une série de protagonistes, de promeneurs et d’avatars y font figure de médiateurs dans notre expérience de la nature, qui peut prendre la forme d’un paysage, d’un parc ou d’un jardin. Autour du film structurel des années 1960 et 1970 (un concept de P. Adams Sitney), le deuxième chapitre prend la mesure de la disparition de cette figure humaine chez des cinéastes comme Michael Snow et Larry Gottheim. Ce cinéma minimaliste et radical va jusqu’à remettre en question la médiation du filmeur derrière l’objectif. Dans la continuité du film structurel, le troisième chapitre se concentre sur l’usage du plan fixe, combiné parfois à celui de la longue durée. Autour d’Hutton, de Benning et d’autres, il traverse les décennies suivantes, jusqu’au début du XXIe siècle. Pensée par Scott MacDonald, l’idée d’un écocinéma nous permettra enfin de mesurer les enjeux écologiques de cette pratique.Item Accès libre La représentation des personnages féminins et le positionnement écologique dans 3 films d’Hayao MiyazakiWang, Hanyu; Arsenault, Dominic (2024-08)Ce mémoire propose une analyse de films réalisés par Hayao Miyazaki, dont trois en particulier : Nausicaä of the Valley of the Wind, Princess Mononoké et Spirited Away. Nous cherchons à identifier les moyens par lesquels Miyazaki construit des mondes animés qui traitent de questions sociétales. Deux thèmes centraux et récurrents dans ses œuvres sont analysés : le féminisme et la représentation des personnages féminins, et l’écologie et la représentation de la nature. Ces films affichent-ils un positionnement féministe et écologique ferme et sans équivoque? Puisque les points de vue et les attitudes qu’ils expriment envers la société humaine peuvent être en partie attribués à l’environnement et à la situation sociale du Japon, ainsi qu’au contexte historique de la vie du réalisateur, ce mémoire s’ouvre sur une courte description de ces faits. Ensuite, en partant de la conception des scènes d'animation et de la construction des personnages, ce mémoire aborde les techniques d’animation pour qualifier le style et l’esthétique de ces films. Via l'analyse d'image et la recherche théorique, ce mémoire, avec un éventail diversifié de perspectives de recherche, fournit un panorama des techniques d'animation utilisées par Hayao Miyazaki et de ses réflexions à l'égard de la réalité, afin de permettre aux lecteurs d'avoir une compréhension plus profonde de ses œuvres.Item Accès libre Deux approches autour des photographies de Robert Capa et Antoni Campañà sur la Guerre Civil EspagnoleSuarez Diaz, Solman Raquel; Paquet, Suzanne (2024-07)Ce mémoire aborde les photographies de Robert Capa et d’Antoni Campañà sur la guerre civile espagnole (1936-1939) à partir de deux perspectives qui cherchent à susciter une lecture active et éthique de leur contenu. Ces perspectives sont issues de deux concepts développés par Roland Barthes dans La Chambre Claire. Note sur la photographie : studium et punctum. Le premier mobilise les savoirs culturels, intellectuels, etc., afin d’analyser et de rendre visibles certains éléments constitutifs de ces photographies, tels que leurs contextes de production (les développements techniques dans le domaine de la presse imprimée et le domaine des appareils photographiques qui permettent un enregistrement moderne de la guerre, notamment) ; leurs contextes de circulation (la presse de 1936-1939 et les expositions muséales et documentaires du XXIe siècle) ; ainsi que les conditions personnelles de chaque photographe (les subjectivités et les objectifs professionnels de chacun). Une telle approche nous permet donc de penser les clichés de Capa et de Campañà comme des narrations intentionnelles, c’est-à-dire comme des interprétations de la réalité en constant dialogue avec d’autres espaces discursifs et avec les figures des photographes. Le second terme propose l’émotion comme méthode d’approche de ce contenu photographique, en laissant de côté les informations codifiées qui entourent les photographies et en en mettant l’accent sur les sensations fortes que certaines d’entre elles suscitent. Une telle perspective stimule la conscience affective dans l’intention de conduire à des réflexions plus sensibles et complexes sur ce que ces images exposent.