Faculté de musique – Thèses et mémoires

URI permanent de cette collectionhttps://hdl.handle.net/1866/2968

Cette collection contient:

Les fiches signalétiques des thèses et mémoires des étudiant.e.s de la Faculté de musique de l'Université de Montréal déposé(e)s entre le 1er octobre 2009 et le 1er novembre 2014. Pour ces documents, une version complète est disponible pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). Quelques titres sont également disponible en version complète dans Papyrus.
La version intégrale des thèses et mémoires des étudiant.e.s de la Faculté de musique de l'Université de Montréal (composition et musicologie) déposés après le 1er novembre 2014 ou encore une version tronquée des éléments pouvant aller à l'encontre du respect des droits d’auteur et, s’il y a lieu, un lien vers une version plus complète de la thèse ou du mémoire en vue d’une diffusion restreinte à la communauté UdeM.

Pour plus d'information sur le dépôt des thèses et mémoires consulter le site Thèses et mémoires des bibliothèques

Site web de la Faculté de musique

Parcourir

Voici les éléments 1 - 20 sur 275

Accès libre
À la recherche des styles d’interprétation du répertoire baroque au piano : analyse qualitative et quantitative des paramètres d’exécution et proposition d’une méthode de travail pour le développement d’une démarche artistique informée et exploratoire en interprétation
Lazarov, Viktor; Traube, Caroline; Caron, Sylvain (2023-06)
Rattachés à la tradition musicale occidentale savante, les travaux présentés dans cette thèse portent sur l’analyse de l’interprétation des œuvres de la période baroque (1600-1750) au piano. L’interprétation a été étudiée en lien avec deux compositions pour clavier seul : un extrait du dernier mouvement de la Partita en do mineur BWV 826 de J. S. Bach (1685-1750) et le Passepied GWV 325 de C. Graupner (1683-1760). Ces œuvres ont été jouées et enregistrées selon trois styles d’interprétation contrastants (romantique, moderne et rhétorique) dans le contexte de deux études expérimentales. Une étude auto-ethnographique a visé le développement d’un protocole d’analyse qualitative et quantitative de l’interprétation d’une œuvre de Bach selon les principes des trois styles. Une étude de cas a permis d’explorer la mise en pratique d’une méthode de travail pour le développement d’une démarche artistique informée et exploratoire en interprétation. Une approche mixte d’analyses qualitatives et quantitatives a été utilisée dans les deux études pour révéler les rapports entre différents types de paramètres d’exécution (dont les variations de tempo, l’articulation, la dynamique, la pédale ou l’expression) et les descriptions stylistiques (dont l’auto- explicitation des participants). En s’appuyant sur une étude de l’interprétation de la musique baroque au 20e siècle, un pianiste (l’auteur de la thèse) a enregistré un extrait de la Partita en do mineur (BWV 826) selon trois esthétiques contrastantes (romantique, moderne, rhétorique). Le jeu du pianiste a été capté en format de données MIDI sur un piano Yamaha Disklavier DC7X. Une description verbale de chaque style a été obtenue suivant la technique de l’auto-explicitation réalisée par le pianiste. Les captations sonores de chaque extrait ont ensuite été présentées à une auditrice experte, spécialiste en enregistrement du piano, ce qui a permis d’obtenir une perspective externe sur les interprétations. Les analyses de l’étude auto- ethnographique ont montré une cohérence entre les descriptions stylistiques, l’auto-explicitation du pianiste, les évaluations qualitatives par l’auditrice externe et les données quantitatives relatives aux paramètres d’interprétation. Ces résultats suggèrent qu’une compréhension des principes d’interprétation aiderait à construire une interprétation dont les attributs paramétriques sont cohérents et conformes avec les postulats stylistiques de départ. Ce protocole de recherche a été approfondi dans une étude de cas réalisée avec une pianiste titulaire d’un doctorat de la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Des consignes écrites ont été envoyées à la participante et l’étude s’est déroulée en cinq étapes : interprétation de référence, analyse de la partition par accents immanents, analyse stylistique, interprétation selon les trois styles et interprétation idéale. Les analyses ont confirmé la cohérence entre les règles stylistiques, les propos de la participante recueillis durant des entretiens semi-dirigés et les paramètres quantitatifs extraits de sa performance. Les mesures et les proportions des différents paramètres de l’interprétation ont été établies à l’aide d’une nouvelle technique de « quantification de la perception ». L’analyse qualitative a révélé un sentiment de liberté et de contrôle que la participante a éprouvé en créant son interprétation dans des conditions déterminées et fondées sur des règles. En s’appuyant sur le modèle proposé par l’étude auto-ethnographique, l’étude de cas aura permis à la pianiste de créer un style hybride, original et idiosyncrasique. Ce modèle de développement de l’interprétation peut s’appliquer dans un contexte de formation des musiciens et musiciennes où la connaissance des styles et du contexte historique et esthétique constituera les bases de la création artistique individuelle.
Accès libre
La liberté selon le jeune Herbie Hancock : transcription et analyse de Inventions and Dimensions à la lumière des enjeux du jazz des années 1960
Garino, Alessandro; de Médicis, François; Waters, Keith (2024-08)
Cette thèse propose une investigation musicologique du troisième album pour Blue Note Records du pianiste étatsunien Herbie Hancock: Inventions and Dimensions (1964). Si, d’une part, l’analyse de cet enregistrement permet d’envisager le processus d’expansion du langage musical qui agite le jazz au début des années 1960, de l’autre, cette entreprise jette un éclairage sur l’évolution de la poétique hancockienne. Négligé par les études sur le jazz, Inventions and Dimensions constitue un véritable manifeste de la pensée musicale du pianiste, dont la production reste jusqu’à aujourd’hui peu étudiée, en dépit de son importance dans le développement du jazz moderne. Ainsi, l’examen de Inventions and Dimensions comble-t-il une lacune musicologique sur la production hancockienne, mais en plus, il invite à réfléchir sur des questions de portée plus large, comme la pertinence des catégories historiographiques de « free jazz » et « jazz modal » et l’impact des traditions musicales afro-caribéennes sur le jazz des années 1960. Afin de situer Inventions and Dimensions dans le processus de transformation du langage jazz des années 1960 et d’évaluer son rôle dans le développement de la poétique hancockienne, la thèse s’appuie sur des transcriptions réalisées par son auteur. Cela impose quelques considérations préliminaires sur la pratique de transcription en jazz, sur sa signification corporelle, et sur les limites intrinsèques de son produit scriptural. Ensuite, la thèse se concentre sur l’analyse structurelle, motivique et rythmique du discours pianistique hancockien dans Inventions and Dimensions, en établissant un dialogue constant avec les autres enregistrements du pianiste de la première moitié des années 1960. Ce faisant, les caractéristiques de la poétique musicale de Hancock peuvent être efficacement illustrées, à la fois dans leur évolution au cours des années 1960 et dans la réalisation particulière qu’elles trouvent dans Inventions and Dimensions. Toutefois, pour encadrer l’album du point de vue historico-musical, il faut aussi en examiner le contenu à la lumière des catégories de « jazz modal » et « free jazz ». Cela amène à souligner le caractère fragmentaire et, par conséquent, problématique de ces enveloppes sémantiques. Inventions and Dimensions exploite aussi des rythmes religieux afro-cubains dont les pérégrinations dévoilent une autre dimension de l’album qui, en plus de traverser les significations musicales et extramusicales associées au « jazz modal » et au « free jazz », façonne autant le langage rythmique hancockien que l’imaginaire musical des années 1960. À l’exemple d’autres enregistrements liminaires de l’époque, Inventions and Dimensions démontre en conclusion comment la variété de langages qui fleurissent au début de la décennie peut être repensée comme le paradigme d’une koinè tournée vers l’affranchissement de canons désormais dépassés.
Accès libre
Composer pour le ciné-concert : mettre en scène la musicalité du cinéma
Camiolo, Romain; Sokolovic, Ana; Cardinal, Serge (2024-05)
Cette thèse aborde la composition pour le ciné-concert au travers du prisme de la recherche- création. Je décris mon processus créatif de compositeur pour ce spectacle et fait état des différentes influences, culturelles, autobiographiques, théoriques qui l’ont nourri et fait évoluer. Je dégage de ce parcours créatif des éléments qui permettraient de définir le ciné-concert comme un spectacle à part entière – et à enrichir – dans le panorama artistique contemporain. Cette définition passe par une cartographie du dispositif ciné-concert, riche et composite du fait de son interdisciplinarité : cinéma, musique en direct, mise en espace du dispositif. Avec le réseau de tenseurs établi par cette cartographie, je veux montrer les intersections prégnantes que j’ai privilégiées dans mon travail. Je situe ces intersections dans la déconstruction historique du ciné-concert, un travail matérialiste de l’imaginaire, et une conception de la forme comme transformation musicale des affects.
Accès libre
Figuralisme et techniques spectrales dans un cycle d’œuvres basées sur la théorie taoïste des Cinq éléments
Wang, Yue; LeBlanc, Jimmie (2024-08)
Ce mémoire prend pour modèle les Cinq éléments de la philosophie chinoise ancienne afin d’explorer en profondeur l'expression figurative dans la musique spectrale. La théorie des Cinq éléments, qui constitue une part essentielle de la philosophie chinoise ancienne, explique l'équilibre dynamique de l'univers à travers les interactions entre le métal, le bois, l'eau, le feu et la terre. En analysant et en créant des œuvres basées sur les Cinq éléments, je cherche à combiner ces concepts philosophiques avec les techniques de la musique spectrale, explorant comment ces éléments peuvent être représentés de manière vivante dans la musique. À travers l'analyse des œuvres de compositeurs emblématiques de la musique spectrale, tels que Gérard Grisey et Kaija Saariaho, nous examinerons comment ces compositeurs utilisent les techniques spectrales pour représenter les éléments naturels, tout en résumant l'impact de ces techniques sur l'expression figurative. Ce mémoire analysera également en détail les cinq œuvres du cycle Les Cinq éléments que j'ai composées pendant ma maîtrise, à savoir Méditation Printemps (pour ensemble de 15 instruments), Feu du Sud (saxophone, violon, alto), Shanxi (15 instruments), Métal (bande électroacoustique à 4 canaux) et L'Eau Montréal (15 instruments). Au cours de l’écriture de ces œuvres, j'ai non seulement procédé à une analyse spectrale minutieuse des propriétés physiques de chaque élément, mais j'ai également utilisé des techniques complexes de traitement du timbre et de manipulation temporelle pour transformer ces analyses en matériaux musicaux concrets. À travers cette série d'analyses et de créations, je vise à révéler le point de convergence entre la philosophie ancienne et les techniques musicales modernes, en démontrant comment la musique spectrale peut offrir une nouvelle forme d'expression du concept ancien des Cinq éléments. Cette recherche fournit non seulement de nouvelles perspectives pour la création de musique spectrale, mais ouvre également de nouvelles voies pour l'application des concepts philosophiques traditionnels dans la musique contemporaine.
Accès libre
Le développement d’un dispositif de spatialisation sonore non conventionnel vers une musicalité en contexte d’installation
Richer, Flo; Bernier, Nicolas (2024-04)
Le présent mémoire fait connaître la démarche de recherche-création ayant mené à la conception de l’oeuvre Terres synthétiques, une installation sonore pour huit enceintes de céramique et haut-parleur d’extrêmes graves. Terres synthétiques s’inscrit dans un corpus d’installations sonores qui engagent les sens du public en favorisant une circulation libre des personnes dans l’espace de l’oeuvre. Un échantillon de vingt oeuvres contemporaines d’art sonore accordant une place sensible à la céramique est présenté dans l’objectif de faire ressortir les contributions particulières de Terres synthétiques. Bien que toute installation sonore soit porteuse de multiples formes expérientielles, associées aux actions de chaque membre du public, Terres synthétiques fait partie de la minorité des oeuvres d’art sonore qui supplémente ces formes expérientielles par une forme musicale algorithmique intrinsèque. Les gestes sonores de Terres synthétiques, composés à partir d’enregistrements de céramique traités, explorent les limites de nos perceptions en alternant entre des sons transformés mais reconnaissables et des sons abstraits. Ils appellent à réfléchir aux indices psychoacoustiques qui permettent d’identifier les origines d’un son. Le dispositif de mise en espace sonore de Terres synthétiques met de l’avant des enceintes de céramique résonantes qui, dans leur facture arrondie, reprennent certains éléments conceptuels des résonateurs de Helmholtz. La diffusion de la composition à neuf pistes de l’oeuvre sur ce dispositif entraine l’émergence d’un espace sonore immersif et évolutif propre à l’espace de l’installation.
Accès libre
Conception de systèmes de synchronisation son-image pour la performance audiovisuelle : de la définition conceptuelle aux lois de la perception
Patie Pelicaut, Pauline; Boucher, Myriam (2024-08)
Ce projet de recherche-création explore la musique visuelle, en particulier la spatialisation des objets audiovisuels, à travers divers prismes artistiques et théoriques. Parmi ces prismes figurent les illusions esthétiques générées par la synchrèse (relation entre son et image), les principes de perception visuelle, la théorie gestaltiste sur la relation figure-fond, et l’organisa- tion de l’espace influencée par le minimalisme. Chaque œuvre s’articule autour d’un concept qui détermine les forces et les lois d’interaction entre les paramètres du son, de l’image et du système de diffusion. Ce concept est ensuite intégré dans un système dont les paramètres de contrôle, conçus par le compositeur, sont en étroite relation avec lui. Les trois œuvres principales de ce projet, Étude pour Luminoctophonie, Cent-sens, et Drift, illustrent chacune une approche distincte de la mise en espace audiovisuelle. Étude pour Luminoctophonie se concentre sur la création d’un objet audiovisuel visant à provoquer des sensations physiques par des forces telles que l’accumulation d’énergie et le déplacement. Cent-sens développe un système de contrôle de l’objet audiovisuel en manipulant la relation figure-fond selon les principes gestaltistes de la perception visuelle et sonore. Drift fusionne les explorations précédentes en se focalisant sur la dimension physique, notamment les forces centrifuges et centripètes, dans une performance rotative de l’objet audiovisuel, mettant en évidence les défis liés à la complexité du contrôle des paramètres. Ce mémoire souligne l’importance du concept comme fondement de la construction de sys- tèmes audiovisuels cohérents, capables de créer des expériences immersives par une maîtrise fine des interactions entre le son, l’image et l’espace. Dans un contexte marqué par la proli- fération des technologies de performance, ce projet plaide pour une approche minimaliste et structurée, qui vise une compréhension approfondie de la perception pour favoriser l’immer- sion de l’auditeur.
Accès libre
Weekly Meditations : expériences immersives mises en place par la composition audiovisuelle, l’interprétation et la méditation
Martineau, Jérémie; LeBlanc, Jimmie; Boucher, Myriam (2023-08)
Weekly Meditations est un projet de recherche-création sous la forme d’un cycle de sept oeuvres audiovisuelles pour ensembles mixtes et électroniques. Suivant un désir d’approfondir l’expérience immersive, le cycle intègre des pratiques et mentalités méditatives à tout le processus musical, allant de la composition à l’interprétation, jusqu’à la réception de l’oeuvre et la place du spectateur. Cette intégration expérientielle part de l’hypothèse que la différence du degré de sentiment immersif entre le compositeur, l’interprète et le spectateur peut être atténuée par l’invitation à se placer sur un socle expérientiel commun, soit celui de la méditation. Ce projet de recherche-création tente d’observer, sous un premier axe de recherche, en quoi l’intégration de pratiques méditatives au processus créatif peut renouveler le rôle de l’interprète et, sous un second axe, en quoi la prise en charge de l’ambiance, du lieu et de l’espace vu, entendu et ressenti de la performance peut favoriser le sentiment immersif. Cette prise en charge implique une multidisciplinarité explorée sous l’angle d’une pensée réellement mixte où les dimensions instrumentale, électronique, visuelle et spatiale sont prises en charge de façon à créer un tout intégré plutôt que de simplement les additionner les unes aux autres. Une méthodologie oscillant entre théorie, pratique et évaluation a été utilisée tout au long du processus créatif, permettant de définir les implications esthétiques et techniques des nouvelles ressources utilisées et de conceptualiser les différents paramètres musicaux, visuels et conceptuels dans l’optique d’une approche immersive, autant pour les spectateurs, les interprètes que le compositeur. L’intégration de pratiques méditatives, en plus d’une prise en charge de l’espace audiovisuel semblent — suite à de nombreuses répétitions, concerts et données acquises par des sondages effectués sur les spectateurs et les interprètes — indiquer qu’ils peuvent grandement contribuer à l’immersion lors du concert. Ce sentiment immersif est toutefois sujet à de nombreuses conditions, telles que la disposition mentale, la familiarité avec son instrument et les pratiques méditatives, ainsi que la charge interprétative lors du concert, soit un degré de virtuosité trop élevé ou un trop grand nombre de manipulations à exécuter. Ce présent mémoire établi les fondements théoriques reliés à l’immersion, à la prise en charge de l’espace audiovisuel et aux pratiques méditatives et leurs implications sur les pratiques d’interprétation et de composition, pour finalement analyser comment chaque oeuvre du cycle met en pratique les différents concepts théoriques de façon à répondre aux axes de recherchecréation mentionnés ci-haut.
Accès libre
Stratégies pour une approche mixte de la création en studio : composition de trois œuvres conceptuelles
Couturier, Gabriel; Michaud, Pierre (2023-12)
Le studio est un outil pour la composition et la création de musique. Celui-ci est utilisé de différentes manières selon l’œuvre et la tradition. La première partie de ce mémoire trace les développements de conditions de création des studios d’enregistrement, expérimentaux, du son à l’image, multipiste et instrumental pour distinguer leur utilisation en différents contextes de création. Une seconde partie présente l’analyse de trois œuvres composées durant cette maitrise dont Masque de Fer, Cycle des vents et Golimbus. Ces œuvres ont été créées à partir de différentes méthodologies afin de mieux comprendre les considérations méthodologiques et conceptuelles traditionnellement attribuées au studio. Cette recherche-création a donc pour but de démontrer le rôle et le potentiel du studio dans différents contextes et ouvre un questionnement sur les variables déterminantes de mon processus de composition et de création.
Accès libre
La batterie augmentée pour la création d’Imaginaire Drumscape
Bobony, Samuel; Thibault, Dominic (2023-08)
Ce document présente le processus en recherche-création de l’album Imaginaire Drumscape et de son adaptation en performance audiovisuelle conçu dans le cadre d’une maîtrise en composition électroacoustique. Développé dès 2012 sous le pseudonyme Black Givre, ce projet solo s’inscrit dans la continuité historique de l’esthétique répétitive intrinsèque aux musiques expérimentales minimalistes américaines, au krautrock allemand et au cinéma structuraliste. Souhaitant renouveler ma méthodologie en contexte de création, d’improvisation et de performance en concert après plus de dix années d’activités, j’ai développé une batterie augmentée d’un dispositif audiovisuel interactif intégrant avec un ordinateur, des capteurs, des synthétiseurs ainsi que des outils de traitements visuels et audionumériques. Ce nouvel instrument offre une plus grande flexibilité dans son utilisation et permet de s’adapter à différents contextes créatifs de manière innovante. Les compositions Imaginaire Drumscape et Perturbation réalisées pour l’album avec mon dispositif découlent de l’élaboration d’une nouvelle méthode interactive et créative offrant la possibilité de concevoir de riches conceptions sonores percussives. La cohabitation d’univers eurythmiques, composés de paysages sonores, de sons de synthèse et de batterie répétitive s’avère propre à ma démarche. Mes expérimentations sous la forme de routines pragmatiques de comprovisation ont généré les ébauches préparatoires à la réalisation d’une session d’enregistrement audiovisuelle en studio. Lors de cette session, les matériaux nécessaires aux étapes inhérentes à la composition de l’album ont été produits. En situation de concert, l’interprétation d’Imaginaire Drumscape a bénéficié de l’adaptabilité caractéristique de mon instrument.
Accès libre
Jazz improvisation as an artistic enhancement for the modern swing big band lead trumpet player
Januario Lenhari, Joao Luiz; Trottier, Jean-Nicolas; De Stefano, Reno (2024-04)
Le rôle de la lead trumpet dans un grand ensemble de jazz est hautement spécialisé et nécessite des études approfondies. Cette recherche explore le processus d'amélioration de l'art musical d'un lead trumpet de grand ensemble de swing moderne en plongeant dans l'étude pratique de la tradition jazz. Elle englobe une large gamme de ressources, comprenant une compréhension approfondie de l'histoire des grands ensembles et du rôle spécifique qu'ils jouent au sein de l'ensemble. Ce travail se concentre principalement sur la fourniture d'exemples techniques spécifiques tirés de la théorie jazz, du répertoire, de la littérature sélectionnée pour la trompette jazz et de la discographie pertinente, comprenant des références audios et visuelles. De plus, il présente une analyse des performances de deux lead trumpet de renom ayant marqué l'histoire de la scène jazz en jouant dans deux époques différentes avec le Thad Jones & Mel Lewis Jazz Orchestra. Cette analyse vise à souligner les avantages de la connaissance de l'improvisation jazz. L'objectif principal est de démontrer que cette étude peut grandement bénéficier au lead trumpet d'un orchestre de jazz, en complément de ses compétences techniques et musicales existantes. De plus, cette étude constitue une ressource précieuse pour les étudiants et professionnels aspirant à jouer le rôle de lead trumpet au sein d'un ensemble de jazz. En offrant des perspectives sur les aspects pratiques de l'étude de la tradition jazz, elle fournit des conseils et un soutien à ceux qui cherchent à développer leur expertise dans ce domaine spécialisé.
Embargo
Musique et cinéma d’animation en France (1930–1950)
Alba, Stefano; Duchesneau, Michel (2023-05)
Our study explores the musical universe of French animation during the first two decades of sound cinema, with the aim of showing the extent of a phenomenon that has never been studied in its entirety. The context of the era is characterized by the participation of a considerable number of “art music” composers, whose contribution to animation constitutes a lesser-known aspect of their career. Through the study of unpublished archival documents and press articles of the time, the subject is approached mainly from a historical perspective, in order to situate apparently exceptional cases in the context of the artistic networks that allowed the creation of these works. The thesis is constructed following a chrono-thematic plan. In our history, we integrate elements of film music analysis to illustrate emblematic cases of the different tendencies of the time. The study of the period 1930–1939 highlights the “artisanal” aspect of the productions of the time. Our attention focuses specifically on lesser-known cases, including those of Jean Françaix and Pierre Vellones. The second chapter is devoted to director André Vigneau and his collaboration with Henri Cliquet-Pleyel. Our exploration continues with the study of two iconic pre-war films: La Fortune enchantée by Pierre Charbonnier (music by Henri Sauguet) and Barbe Bleue by René Bertrand (music by Maurice Jaubert). In addition, we focus on “auteur” animated advertising films and the work of Alexandre Alexeïeff, marked by his collaboration with Poulenc, Auric, Milhaud and Roland-Manuel. Another key figure in French animation is the composer Jean Wiéner, to whom we devote a monographic chapter, which details his collaboration with the animator Paul Grimault. Our study of the Vichy era (1940–1944) focuses on the growing role of the state in financing animated films. This trend is illustrated by two emblematic cases of “highbrow” cartoons: Callisto, la petite nymphe de Diane by André-Édouard Marty (music by Honegger and Roland-Manuel) and La Chasse infernale by Jean and Alex Giaume (music by Tony Aubin). Finally, in the last chapter, we examine the post-war years and, most notably, a forgotten composer of film music, Guy Bernard. On the other hand, if André Jolivet is far from being forgotten, the cartoon music he composed during the 1940s represents a largely unknown part of his career.
Accès libre
L’oreille haptique : cette musique qui touche : lecture deleuzo-guattarienne de la création musicale au XXIe siècle via la logique de la sensation et le moléculaire
Pilon-Pinette, Jessica; Goldman, Jonathan (2023-12)
Ce mémoire propose une lecture de la notion de l’« haptique », issue du contexte pictural de l’ouvrage Francis Bacon : Logique de la sensation du philosophe français Gilles Deleuze (1925-1995), appliquée à un paradigme, non plus visuel, mais sonore. Ainsi, la notion de « musique moléculaire », codéveloppée par Deleuze et Félix Guattari (1930-1992) dans Capitalisme et schizophrénie 2 : Mille plateaux, est invoquée. Dans la perspective d’une haptique musicale, il se dégage des parallèles étroits entre les différents concepts en lien avec l’haptique de Bacon et la conception deleuzo-guattarienne du moléculaire. Structuré en deux parties, ce mémoire tâchera, dans un premier temps, de fournir un aperçu général de l’haptique et d’en explorer les principaux éléments picturaux tout en proposant de manière continue des liens avec la musique, notamment par le biais de témoignages des compositeur·rice·s français·e·s Pascale Criton (née en 1954) et Pascal Dusapin (né en 1955). Dans un second temps, ce mémoire s’emploiera à établir des correspondances entre l’haptique deleuzien relevant du paradigme visuel baconien et la conception deleuzo-guattarienne de la musique moléculaire. Il en ressortira que les notions de « devenir », d’« indiscernabilité » et de « modèle analogique » constituent des principes communs au figural et à la musique moléculaire, s’en dégageant alors une perspective esthétique haptique plus globale qui relève, autant dans le paradigme pictural que musical, d’une « logique de la sensation ».
Accès libre
Une esthétique du négatif : processus de composition basé sur la relation au vide
Ménard-Bélanger, Danaë; Michaud, Pierre (2023-03)
Ce mémoire présente une analyse du rôle du rien, du peu, et du négatif dans cinq œuvres musicales composées dans le cadre de la maîtrise de l’autrice : Obèle, Petite berceuse, Wet Ice and Dead Leaves, Déjà-vu, et Rêve éveillé. Leur démarche de création est analysée parallèlement à d’autres œuvres de ma maîtrise, soit la musique de la pièce de théâtre Scribouillis et celle du court-métrage du même nom. Les angles d’analyse musicale sont la théorie musicale et la cognition incarnée, et la démarche est conceptualisée comme un tout dont les éléments sont interreliés, selon la proposition du concept d’atelier par Donin et Theureux. L’esthétique est mise en contexte avec les courants minimalistes, et est mise en relation avec les buts artistiques, notamment l’inspiration d’affects négatifs et l’encouragement d’une écoute active, métaécoute, ou deep listening. Le texte vise à permettre une appréciation approfondie des œuvres et de la démarche, ainsi qu’à proposer un vocabulaire pour discuter des concepts centraux à ce type d’esthétique et de démarche artistique. La recherche-création de la maîtrise a visé à développer une approche compositionnelle unique et authentique, qui satisfasse à des critères perceptuels de cohérence et d’évocation d’un discours émotionnellement chargé, qui démontre une maîtrise de l’écriture, et qui fasse montre d’une vision artistique forte, innovante, et audacieuse. Le premier chapitre présente les concepts clefs d’analyse et détaille l’inspiration derrière les œuvres. Les motivations de la démarche de création émergent à travers la discussion de concepts tels que le négatif, le rien, le peu, et le silence ainsi que leur place dans le contexte culturel ou évolue l’autrice. L’approche compositionnelle est ancrée dans le timbre, la forme, et la perception. Le chapitre 2 illustre des aspects de la démarche de création par deux collaborations avec le théâtre de marionnettes contemporain. Les présentations des œuvres sont regroupées par similitude dans les chapitres 3 et 4 dédiés aux œuvres vocales et instrumentales, respectivement. Chaque chapitre se divise en sous-section pour les différentes œuvres. Le chapitre 6 conclut le mémoire et propose quelques liens entre les éléments abordés au cours de celui-ci.
Accès libre
Gamelan elektronik : a compositional approach to Balinese Gamelan and electronics = Gamelan elektronik : une démarche compositionnelle mixte pour le gamelan balinais et l'électronique
Suryanegara, I Putu Arya Deva; Michaud, Pierre (2023-08)
Ce mémoire décrit ma réflexion et mon approche méthodologique de la composition et de l'analyse des oeuvres produites dans le cadre du Gamelan Elektronik, un terme que j'utilise pour englober mon approche et mes techniques de composition. Ce dernier se concentre sur la recherche et la collecte de diverses méthodes et techniques adaptées à la combinaison du gamelan balinais et de la musique électronique. La recherche a été influencée par l'apprentissage de théories, de techniques et de pratiques de composition musicale qui crée un pont entre les mondes disparates du gamelan et de l'électronique, tout en développant un cadre d'analyse de ces compositions. Gamelan Elektronik vise donc à intégrer la pratique, la composition et la culture du gamelan à l'étude de l'histoire, de la technique et de la pratique de la musique électronique. En documentant mes façons créatives d'utiliser la technologie et sa relation avec les approches du gamelan balinais, J'espère que cette recherche pourra servir de point de départ à d'autres compositeurs créatifs et chercheurs dans ces domaines.
Accès libre
Les implications polystylistiques de la narrativité dans ma démarche compositionnelle
Côté, Thierry; Leclair, François Hugues (2003-08)
Dans ce mémoire, j’analyse les trois pièces composées dans le cadre de ma maîtrise en musique, option composition et création sonore, à l’Université de Montréal. J’y décris mon processus de création et j’y présente les enjeux au cœur de ma démarche, notamment en ce qui concerne le volet narratif de mes œuvres et les impacts polystylistiques de cette narrativité. J’explique notamment comment je réconcilie la pluralité des sources d’inspirations puisées selon les besoins narratifs avec un désire d’uniformité esthétique et de cohérence formelle au sein de mes œuvres. Celles-ci sont donc présentées en ordre chronologique et vont comme suit : 1 : La prison de glace. Cycle de quatre poèmes pour baryton et piano d’une durée d’environ 15 minutes. 2 : L’épinette noire. Pièce narrativement abstraite écrite pour quatuor à corde d’une durée d’environ 5 minutes. 3 : La Dame blanche. Ballet pour orchestre symphonique inspiré de la légende de La Dame blanche de la chute Montmorency d’une durée d’environ 55 minutes.
Accès libre
Exploration contemporaine du concept du mode oriental
Tavakol, Showan; Sokolovic, Ana; Fernando, Nathalie (2023-08)
Cette thèse explore la transformation du langage modal traditionnel moyen-oriental en un langage contemporain à travers la composition musicale. Son objectif principal est de définir comment les codes esthétiques et les idiomes des systèmes modaux orientaux s’intègrent à la musique contemporaine occidentale, en évitant de la désigner comme étant une musique hybride. La thèse analyse ce processus de recherche et de création en trois grandes parties. La première étape consiste en une révision du concept de mode, mettant en évidence les caractéristiques propres aux traditions orales de la musique du Moyen-Orient et du Proche-Orient, en se concentrant sur les systèmes modaux du dastgah et du maqam. Cette partie veut montrer les rapprochements possibles entre l’approche théorique et pratique des modes orientaux, en accordant une attention particulière aux notions telles que le motif stéréotype (aspect tonal-spatial minimal du mode), les morphèmes (codes esthétiques minimaux) et l’hétérophonie (dimension verticale des modes orientaux). J’y relève l’importance de l’aspect sémantique et de la subjectivité des caractères des modes orientaux à travers les oeuvres que j’ai composées dans le cadre de cette thèse. La deuxième partie présente deux types de transformation esthétique : l’un basé sur les éléments endogènes et l’autre sur les éléments exogènes des systèmes modaux orientaux. Des notions importantes afin de bien pouvoir cerner les facteurs endogènes d’un langage musical sont reliées aux éléments linguistiques comme la sémiotique, la syntaxe et la sémantique. Ces dernières sont utilisées pour établir des liens hypothétiques avec les structures musicales des systèmes modaux transformés. L’approche endogène consiste à extraire des éléments sémiotiques, des morphèmes et des idiomes du langage modal oriental et à les utiliser en dehors de leur contexte syntaxique traditionnel. Quant à elle, la transformation basée sur les facteurs endogènes d’un mode ne fait pas appel à des caractéristiques externes de son système. Elle veut plutôt parvenir à un contexte symbolique du langage en rétablissant de nouvelles structures syntaxiques. La transformation basée sur les facteurs exogènes aborde la musique dite « contemporaine occidentale » en se confrontant aux paramètres musicaux des modes orientaux. J’y utilise les théories de composition musicale du XXe et du XXIe siècle de cette musique, en particulier au niveau des techniques et de l’esthétique qui implique une recherche sur la texture et le timbre. Contrairement à mon approche endogène, celle autour des paramètres exogènes préserve souvent II les structures normales des systèmes modaux, utilisant une approche expressionniste pour en exagérer les symboles traditionnels. Cette deuxième approche présente un style inédit qui explore l’interdépendance des tendances communes entre la tradition orientale et la musique contemporaine occidentale, notamment l’hétérophonie, la microtonalité et les rythmes asymétriques. La troisième et dernière partie de la thèse présente une analyse approfondie des oeuvres que j’ai composées dans le cadre de ma recherche, soit des études concertantes, quatre pièces solos et quatre pièces pour orchestre ou quatuor à cordes avec ou sans le kamancheh. Ces oeuvres intègrent dans leur construction les caractéristiques symboliques des systèmes du dastgah et du maqam, avec ou sans les syntaxes traditionnelles, tout en transformant ces systèmes à travers les techniques de composition occidentale telles que la polyrythmie, l’infrachromatisme, la micropolyphonie et les modes de jeux contemporains. J’introduis dans ces créations une écriture inédite qui présente des paradigmes modaux tels que la polymodulation, l’amodalité, l’hétéromodalité, la chromodalité et la pansonorité orientale. En résumé, cette thèse vise à démontrer que la flexibilité, la liberté esthétique et l’autonomie de la musique contemporaine lui permettent d’être juxtaposée à des symboles esthétiques provenant de différents langages musicaux. Dans ma démarche, je démontre que la musique contemporaine peut ainsi devenir un sous-genre avant-gardiste du genre musical de la « musique du monde ».
Accès libre
La dissociation élémentielle et le paysage sonore composé : composition, analyse et considérations esthétiques
Hamel, André; LeBlanc, Jimmie (2023-07)
Cette thèse a pour objet principal la notion de dissociation élémentielle associée à la spatialisation, principalement en musique instrumentale. Elle inclut quatre compositions accompagnées des partitions et des enregistrements de même qu’un texte écrit comprenant les analyses des quatre œuvres présentées. Dans le chapitre I, le texte expose d’abord la notion de dissociation élémentielle, explique que celle-ci naît de l’autonomie des éléments musicaux les uns par rapport aux autres et traite de l’influence exercée sur ma démarche par le compositeur Charles E. Ives. J’aborde aussi l’importance de la spatialisation musicale et de la notion de paysage sonore composé. Je retrace également quelques exemples de dissociation des éléments dans le répertoire et je fais un parallèle avec la musique électroacoustique. Le chapitre II s’attarde à la dissociation "élémentielle" tant en ce qui a trait aux procédés techniques qu’à l’écriture et à la mise en forme. Le chapitre III traite de la perception auditive en situation "élémentielle" et spatialisée au regard de la psychoacoustique ainsi que des pistes de recherches ultérieures possibles. Les chapitres suivants ont pour objet les analyses des quatre œuvres présentées : 21 courtes pièces sur des textes d’Étienne Lalonde, L’Être et la réminiscence, Les passants et L’autre (le cor étranger).
Accès libre
Constitution, déploiement et segmentation : repenser le thématisme à travers les réseaux paramétriques
Díaz Villegas, Tomás; Sokolovic, Ana; Goldman, Jonathan (2023-08)
Cette thèse présente une approche personnelle du thématisme. Traditionnellement, la théorie et la pratique thématiques traitent d'entités mélodiques ou rythmiques (thèmes, motifs, séries) qui imprègnent le contenu et l'organisation d'un morceau de musique à travers de nombreuses techniques de dérivation et d'élaboration. L'objectif principal de cette approche est d'assurer l'unité de l'oeuvre musicale en présentant de multiples expressions d'une ou de quelques idées de base. Essentiellement, mon approche reprend la notion de description paramétrique — déjà présente dans l'approche traditionnelle par rapport aux hauteurs et aux rythmes des entités récurrentes — et l'applique à la description de périodes de temps ou de niveaux formels. Trois chapitres m'aident à développer cette vision. Le premier donne un aperçu des fondements sur lesquels repose mon approche, notamment le thématisme, la hiérarchie et la temporalité. Le second présente l'approche elle-même. En particulier, il introduit le concept de réseau paramétrique et le relie à des notions telles que description paramétrique et niveau formel. Le dernier chapitre consiste en plusieurs analyses de pièces conçues à travers cette manière personnelle de penser le thématisme.
Accès libre
L’influence des modèles extra-musicaux dans la conception de mes gestes sonores
Shalev, Amichai Ben; Sokolovic, Ana (2023-08)
Ce mémoire traite de l'influence des modèles extra-musicaux sur mes compositions et de la manière dont ils définissent mes gestes sonores. L'utilisation de ces modèles et la manière dont ils déterminent la forme, le caractère et la texture sont expliquées à travers l'analyse d'œuvres que j'ai composées pendant mes études de maîtrise. Une présentation de mon parcours artistique illustre comment j'ai évolué à partir de mes influences musicales passées pour me lancer dans mon approche compositionnelle actuelle. En conclusion, j'expliquerai comment les connaissances et l'expérience acquises au cours de mes études ont contribué à forger mon identité en tant que compositeur.
Accès libre
Polymodalité et contrastes dans quatre compositions
Labbée, Miguel; Leclair, François Hugues (2022-10)
Ce mémoire explore deux aspects importants de ma musique : la polymodalité et le contraste. Nous verrons donc les différents modes utilisés dans mon œuvre ainsi que les façons de les superposer. Les contrastes se retrouvent aussi en abondance dans ma musique : je proposerai plusieurs manières de créer des contrastes ainsi que l’effet désiré. Les aspects formel, rythmique, harmonique et mélodique vont nourrir l’analyse de ses deux facettes dans quatre compositions : Fantasia Armonica, pour quatre violons, mon premier Quatuor à cordes, Jeux d’Ombres pour le Nouvel Ensemble Moderne et Poudrerie pour orchestre. Ces pièces présentent ainsi des gestes contrastants ayant un but dramatique, humoristique ou jouant avec l’anticipation de l’auditeur. La polymodalité peut s’exprimer en de multiples configurations, allant de la polyphonie à la stratification.

Parcourir

Dépôts récents