Faculté de musique – Thèses et mémoires

URI permanent de cette collectionhttps://hdl.handle.net/1866/2968

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Les fiches signalétiques des thèses et mémoires des étudiant.e.s de la Faculté de musique de l'Université de Montréal déposé(e)s entre le 1er octobre 2009 et le 1er novembre 2014. Pour ces documents, une version complète est disponible pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). Quelques titres sont également disponible en version complète dans Papyrus.
La version intégrale des thèses et mémoires des étudiant.e.s de la Faculté de musique de l'Université de Montréal (composition et musicologie) déposés après le 1er novembre 2014 ou encore une version tronquée des éléments pouvant aller à l'encontre du respect des droits d’auteur et, s’il y a lieu, un lien vers une version plus complète de la thèse ou du mémoire en vue d’une diffusion restreinte à la communauté UdeM.

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Beyond boundaries : a multilayered journey through Eastern traditions and Western modernity across orchestral and hybrid music
Kwon, Yejin; Dupas, François-Xavier (2024-12)
Cette thèse examine comment les éléments de la musique traditionnelle coréenne peuvent être réimaginés et intégrés dans des pratiques compositionnelles contemporaines, en particulier à travers des oeuvres orchestrales et hybrides. Le concept de sound mass (masse sonore) se trouve au coeur de cette recherche, servant de médium pour fusionner des couches culturelles, temporelles et esthétiques. Plutôt que de placer tradition et modernité en opposition, cette étude met en lumière leur convergence organique au sein d’un cadre compositionnel stratifié. L’analyse porte sur trois oeuvres orchestrales – Musica, White-clad et Tantara – ainsi que sur une sélection de musiques de film hybrides composées durant mon programme de maîtrise. Ces études de cas démontrent comment les structures rythmiques, les esthétiques timbrales et les idées philosophiques coréennes peuvent interagir avec les formes orchestrales occidentales et les médias électroniques. En particulier, cette recherche explore comment la sound mass évolue en tant que construction personnelle et flexible, permettant la rencontre d’identités musicales distinctes sans en effacer les origines. À travers ce processus, je propose un langage compositionnel qui incarne une identité hybride tout en contribuant à une relecture contemporaine de la musique traditionnelle coréenne. Cette approche reflète une quête de cohérence au sein de la complexité, et une continuité entre des mondes musicaux contrastés.
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Élégies for hyper-organ : conceiving, playing and writing for an augmented Casavant Frères pipe organ
Sidloski, Kjel; Michaud, Pierre; Traube, Caroline (2025-04)
Ce mémoire présente un corpus de travail pour l’orgue à tuyaux explorant la tradition des hyper- instruments telle qu’elle a été initiée par Tod Machover et d’autres. L’orgue représente une res- source sous-exploitée d’exploration musicale, positionnée de manière unique en tant qu’artefact culturel incarné. La nature d’un instrument intégré dans son espace pose la question de savoir s’il y a vraiment une distinction entre le bâtiment qui abrite l’instrument et l’instrument lui-même, ce qui donne une situation dans laquelle l’augmentation de l’orgue à tuyaux peut être considérée comme une architecture sonore. L’instrument examiné dans ce travail est l’orgue symphonique de l’église Saint-Édouard où l’auteur est organiste. Ce projet comprend la création d’un module de synthèse sonore écrit en python, appelé OrganLab, et d’un réseau de diffusion, avec cinq haut-parleurs placés dans l’église, afin d’explorer l’espace en profondeur. La culmination du projet est l’œuvre Élégies, inspirée des Élégies de Duino de Rainer Maria Rilke, qui sert d’ensemble d’études pour explorer les capacités de l’hyper-orgue selon trois modalités : orgue acoustique et orgue synthétique, orgue avec traitement, et orgue avec bande sonore. L’espace de l’église est également considéré dans sa totalité, invoquant une structure spatiale-narrative.
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Chants de l’âme : analyse et origines d’une démarche musicothérapeutique
Perli, Salomé; Boucher, Myriam (2025-05)
Ce mémoire se concentre sur l’analyse d’un répertoire de chansons à vocation thérapeutique : les Chants de l’Âme. En analysant en détail les procédés musicaux utilisés pour illustrer des propos émotionnels et croyances spirituelles personnelles, nous poserons des mots sur une des manières de faire de la « chanson-thérapie », pour finalement poser quelques constats sur l’efficacité d’un tel processus dans le cadre d’une recherche de transformation psycho-spirituelle. La thérapie par la composition de chansons étant une pratique scientifique reconnue et documentée, nous verrons également en quoi le processus de création des Chants de l’Âme s’inspire de quelques-uns de ces principes, tout en étant profondément ancré dans la démarche universelle des auteur·ices- compositeur·ices-interprètes. Cet ouvrage se veut un recueil d’idées pour les créateurs et créatrices qui désirent utiliser la musique et les sons comme moyen de compréhension, d’acceptation et de transformation de leurs mondes intérieurs.
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Étaient-ils seulement cinq? : enjeux et limites de l'étiquette « Groupe des Cinq »
Gauvin, Laurence; Benoit-Otis, Marie-Hélène (2024-11)
Ce mémoire porte sur les étiquettes nominales utilisées en histoire de la musique et leur influence sur l’historiographie, à travers le cas spécifique de l’appellation « Groupe des Cinq ». Utilisée systématiquement dans la littérature francophone depuis le tournant du XXe siècle, cette expression renvoie à cinq compositeurs russes, soit Mili Alexeïevitch Balakirev (1836-1910), César Antonovitch Cui (1835-1918), Modeste Petrovitch Moussorgski (1839-1881), Nikolaï Andreïevitch Rimski-Korsakov (1844-1908) et Alexandre Porfirievitch Borodine (1833-1887). Une étude approfondie des sources primaires relatives au cénacle montre que l’étiquette « Groupe des Cinq » ne fait référence qu’à un pan des activités de ce regroupement, qui était formé non seulement de compositeurs, mais aussi d’interprètes et de membres de la communauté artistique pétersbourgeoise. L’utilisation de cette appellation exclusive dans la musicographie francophone du XXe siècle a donc engendré au fil des décennies une vision restreinte du groupe, en plus d’invisibiliser certain·e·s de ses membres. Afin de déconstruire cette étiquette, je retracerai sa genèse à travers la presse française et démontrerai son implantation dans la littérature à travers une cinquantaine d’ouvrages d’histoire de la musique publiés en France au XXe siècle. Je propose ensuite une méthode d’analyse des niveaux de signification d’une étiquette, que j’applique à l’appellation « Groupe des Cinq », qui permet d’évaluer les conséquences de cette dénomination sur les plans sémantique et historiographique. Au chapitre 3, le regroupement est finalement présenté plus globalement, révélant ce qui est généralement omis du récit traditionnel. Ultimement, ce mémoire vise à présenter sous un nouvel angle le cénacle réuni autour de Balakirev, un regroupement clé de l’histoire de la musique russe. Il permet plus largement de remettre en question l’utilisation d’étiquettes nominales en histoire, et de montrer comment une simple appellation peut influencer notre façon de concevoir un phénomène historique.
Embargo
La musicographie dans l’écosystème médiatique français (1899-1960) : le cas du critique musical Émile Vuillermoz
Leduc, Marie-Pier; Duchesneau, Michel; Dufour, Valérie (2024-04)
Émile Vuillermoz (1878-1960) est un géant de la critique musicale française, et certainement le plus illustre représentant de l’« âge d’or » de la musicographie dans la presse. Extrêmement prolifique, il a rédigé près de 6 000 textes sur la musique, auxquels il faut ajouter des articles sur le cinéma et sur divers autres sujets pour un total d’environ 10 000. Sa carrière s’est étalée sur 61 années (de 1899 à 1960) et a comme particularité de s’être principalement déployée dans les journaux quotidiens et hebdomadaires et non dans la presse musicale. La production vuillermozienne incarne une forme de critique musicale « au quotidien », ainsi qu’une critique engagée conçue comme un outil stratégique pour influencer le développement de la musique de son temps. Cette thèse, au croisement de la musicologie, de l’histoire de la presse et des periodical studies, a comme objectif d’étudier, à travers le cas de Vuillermoz, les interactions entre presse et musique durant les six premières décennies du XXe siècle sous divers angles : la diversité des supports périodiques à la musicographie et l’évolution de sa présence dans l’espace médiatique, la structuration de la profession par le biais d’une constellation d’écrits métacritiques, la construction d’une carrière de critique au sein et en dehors de la presse musicale, la promotion d’idées esthétiques par un discours se déployant dans plusieurs organes de presse simultanément et dans le temps, et, enfin, l’utilisation de la musicographie « de masse » à des fins idéologiques. Vuillermoz est ainsi à la fois l’objet de cette thèse et le guide d’une exploration plus large. Il sert de « filtre » pour étudier le rôle de la musicographie dans le double écosystème de la presse et de la musique. Un des apports de cette thèse est aussi de couvrir une longue période qui transcende les deux guerres mondiales souvent utilisées comme balises temporelles aux corpus. Ce parcours permet notamment de faire le point sur la trajectoire et les écrits de Vuillermoz à des moments charnières de l’histoire de la musique, comme la Première et la Seconde Guerre mondiale. Émergent ainsi différents points de rencontre entre l’histoire de la musique et celle de la presse, voire l’histoire de la société française.
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Tension and expectation : a model to approach music composition and analysis
Gagnard, Théophile; Alary, Olivier (2022-04)
Comprendre la notion de tension et d'attente est essentiel pour saisir comment captiver les auditeurs en musique. Cette thèse interdisciplinaire propose d'explorer la notion complexe de tension afin de créer une fondation solide pouvant servir à l'analyse, à la composition et aux futures recherches. Bien que de nombreuses études aient exploré la tension et la définissent comme un concept central de la musique, il peut encore être difficile de comprendre les liens entre ces différentes approches. Par conséquent, cette étude vise à trouver des points de convergence en psychoacoustique, en théorie de la musique et de la musique pour l’écran, et en neuroscience, pour souligner que le sentiment de tension est basé sur des mécanismes cognitifs fondamentaux de prédiction. La tension est ainsi utilisée comme un point d'entrée dans le domaine plus large du sentiment d'attente. De plus, l'étude examine l'application de ces cadres théoriques dans des contextes musicaux théoriques, examinant comment les éléments mélodiques, harmoniques et rythmiques contribuent à la génération de tension et d'attente. À travers des preuves empiriques et des analyses théoriques, l'étude montre comment notre attente évolue de façon organique à des échelles et dimensions différentes.
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Identités alsaciennes et récupérations politiques : La chanson Der Hans im Schnockeloch de la Guerre franco-prussienne à l’après-Première Guerre mondiale
Gagné, Kamille; Benoit-Otis, Marie-Hélène (2024-08)
Ce mémoire explore le malaise identitaire et politique des Alsacien·ne·s face aux bouleversements historiques ayant marqué leur région, et ce à travers l’analyse de la chanson alsacienne Der Hans im Schnockeloch. Cette chanson, qui met en scène un personnage constamment insatisfait de sa situation, illustre une désillusion face à l’impossibilité de trouver une stabilité culturelle et nationale entre la France, l’Allemagne et l’Alsace elle-même. Le mémoire commence par un panorama socio-politique de l’Alsace, de la Guerre franco-prussienne à l’après-Première Guerre mondiale, soulignant comment l’oscillation entre la France et l’Allemagne a engendré un malaise identitaire. Der Hans devient alors un symbole de résistance à la fois contre les tentatives de germanisation et de francisation, tout en exprimant une identité alsacienne distincte. Notre étude s’intéresse également aux différentes variantes de Der Hans im Schnockeloch, montrant comment chacune d’elles reflète, à leur manière, ce malaise. Ce mémoire explore enfin son utilisation dans des œuvres musicales françaises, comme Les scènes alsaciennes de Jules Massenet et celles d’Henry Durier et d’Émile Archainbault, afin de souligner son instrumentalisation politique dans des contextes de revanchisme. En croisant des sources primaires (journaux, revues, recueils et partitions) et des méthodologies issues de la musicologie, de l’histoire, de la sociologie et des sciences politiques, ce mémoire montre comment Der Hans im Schnockeloch va au-delà de la musique, devenant un miroir des tensions culturelles et politique vécues par les Alsacien·ne·s pendant des périodes de transformations nationales.
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L’orchestrion du 21e siècle : incidence de l’accordéon sur mon langage musical
Nešić-Davidović, Snežana; Sokolovic, Ana; Goldman, Jonathan (2024-04)
Dans ma recherche artistique, je me concentre sur l’influence de certains instruments à clavier du groupe des aérophones, que j’appelle des instruments « orchestrion » et qui influencent mon travail de composition. En dehors des instruments mécaniques du même nom, j’utilise le terme générique « orchestrion » pour désigner tous les instruments harmoniques de l’histoire de la musique qui, comme l’accordéon d’aujourd’hui, ont pu représenter une « totalité » sonore, aussi bien en soliste qu’en tant que membre de divers ensembles. À différents moments de l’histoire, ce type d’instrument a connu plusieurs représentants instrumentaux (par exemple l’orgue ou l’harmonium) et je considère l’accordéon moderne comme le représentant le plus important des instruments orchestrion d’aujourd’hui. Plus largement, je considère le développement intensif de cet instrument au fil des dernières décennies comme une réponse nécessaire à une tendance historique se manifestant par la présence continue de l’archétype de l’orchestrion dans l’histoire de la musique. Bien que l’idéal de cet archétype demeure inatteignable, l’émergence et le perfectionnement de ses représentants instrumentaux concrets persistent de façon continue au fil de l’histoire. Ainsi, ce travail explore l’influence de l’instrument de type orchestrion sur mon travail de composition, mais examine aussi l’archétype d’orchestrion qui lui est associé et qui, en tant que catégorie universelle, exerce une influence non seulement sur ma propre pensée et ma pratique compositionnelle, mais également sur celles d’autres compositeur·trice·s.
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Tramp! Tramp! Tramp! The girls are marching! : rhétoriques politiques du genre musical dans les chansons inspirées par le mouvement suffragiste américain, 1909-1920
Harrison-Boisvert, Catherine; Benoit-Otis, Marie-Hélène; Buch, Esteban (2024-08)
Cette thèse s’intéresse au répertoire de chansons qui ont été inspirées par le mouvement suffragiste américain, durant la décennie 1910-1920, la dernière précédant l’adoption du XIXe Amendement. Plus précisément, cette recherche se penche sur les différentes rhétoriques politiques qui s’expriment dans le répertoire inspiré par le mouvement suffragiste, et sur la manière dont les genres musicaux contribuent à structurer ces rhétoriques. Reposant sur le dépouillement et l’analyse d’un corpus de 160 partitions conservées dans la collection « Women’s Suffrage in Sheet Music », constituée en 2019 par la Library of Congress (Washington D. C.), cette recherche vise à exposer les rhétoriques militantes et favorables au suffrage féminin autant que celles qui y sont réactionnaires, dans l’optique de démontrer tout le spectre de postures politiques que la musique est à même de véhiculer. Pour exposer la contribution spécifique de la musique et de la chanson à l’ensemble des discours et des représentations qui circulent dans la sphère publique au sujet du suffrage féminin, l’analyse s’appuie sur la reconnaissance du pouvoir rhétorique du genre musical (Kallberg 1988), de même que sur l’identification de ce dernier en tant que niveau de base (basic level) de la catégorisation musicale (Rosch 1978; Fabbri 1982, 1999; Buch 2013, 2018). Cette étude interroge dès lors le(s) rôle(s) joué(s) par différents genres musicaux dans l’articulation de rhétoriques politiques au sujet du suffrage féminin, que ce soit d’une perspective endogène (par les militantes elles-mêmes) ou exogène (par les observateur·trices du mouvement suffragiste). En effet, cette recherche propose de montrer comment, par un travail d’historicisation du genre musical et des significations qui lui sont attribuées (Brackett 2016), il est possible d’en dégager les fonctions politiques dans un contexte sociétal donné.
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La narrativité comme outil dans une démarche compositionnelle : mécanismes, applications et enjeux
Laroussi, Marwan; Michaud, Pierre (2024-08)
Ce mémoire de maîtrise propose une étude de la narrativité comme outil de composition, en abordant diverses méthodes d’application au sein d’une démarche personnelle. Le premier chapitre est consacré à la présentation des mécanismes et des principes théoriques englobés par l’état de la recherche actuelle sur la narrativité en musique. Un second chapitre fait ensuite l’étude de cas détaillée de quatre compositions réalisées dans le cadre de mon parcours, soit Helianthus, Aporia V, Acte III Scène VI, et Bejuwan, qui expérimentent respectivement avec les notions de narrativité explicite, subversive, anti-narrative et introspective.
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Extended reality and immersive experiences : new technologies revolutionising the role of the composer?
Brouchet , Agathe; Alary, Olivier (2024-04)
Comment les technologies immersives, en particulier la réalité mixte, transforment le rôle du compositeur ? Basé sur mon expérience professionnelle en tant que chargée de production et compositrice chez SAGA Stratégie Sonore, j’ai contribué à la réalisation d’une exposition immersive sur le hip-hop pour le Musée de la Civilisation à Québec. L’étude examine l’impact de la réalité étendue (XR) sur la composition musicale, en se concentrant sur de nouveaux éléments tels que l’audio 3D, la spatialisation et l’interactivité. À travers une étude de cas de Sur Paroles. Le Son du rap Queb. et des entretiens avec des compositeurs, ce mémoire analyse comment ces technologies élargissent le champ de compétences des compositeurs, incluant parfois des responsabilités en gestion de projet et production. Ce travail interroge si la XR introduit un nouveau métier pour les compositeurs ou s’il s’agit d’une évolution naturelle de leur rôle. Il vise à contribuer aux réflexions sur l’avenir de la composition dans le contexte des technologies immersives, soulignant les nouvelles compétences et l’adaptabilité requises pour évoluer dans ces espaces créatifs en pleine mutation.
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Espaces, atmosphères, sons : création d’expériences sonores spatiales et immersives
Giannini, Nicola; Normandeau, Robert (2024-08)
Dans cette thèse, je présente le travail de recherche-création réalisé au cours de mon doctorat à l’Université de Montréal, axé sur les thèmes de l’espace et de l’immersion dans la création sonore. Pendant ces années, j’ai composé six œuvres explorant la dimension spatiale du son, surtout à travers des stratégies de spatialisation, entendue comme le positionnement et le déplacement des sons. Ces œuvres incluent trois pièces de musique sur support, deux pièces en direct et une pièce créée pour un dispositif de projection sonore dans l’espace public. Ma motivation est d'approfondir les raisons et les méthodes permettant d'utiliser l'espace en création sonore. Pourquoi utiliser l'espace ? Que signifie être immergé-e dans le son ? Comment peut-on évoquer des émotions à travers l'espace ? Quelles esthétiques peuvent caractériser ce type de création ? Pour répondre à ces questions, j'ai combiné la pratique artistique à une revue de la littérature du domaine. L’objectif principal de cette thèse est de présenter mon approche de la création sonore spatialisée, qui, bien que personnelle et non exhaustive, peut être utile aux artistes travaillant dans ce domaine. Ma recherche création s’inscrit dans une tendance commune à la musique et à l’art visuel depuis le milieu du XXe siècle, où l’espace devient un instrument d’expression. Dans ce texte, j'examine comment la composition sonore spatialisée peut créer un espace sonore, une sorte d’architecture éphémère en constante évolution. Les œuvres sont conçues comme des expériences à vivre en personne, plaçant le public au cœur des relations entre les éléments sonores et l’invitant à les explorer. Le but principal de ces créations est de susciter un état mental d'immersion dans les atmosphères caractérisant ces expériences. Le texte décrit les éléments de mon approche compositionnelle : la définition du contexte conceptuel des œuvres, les spécificités des pratiques artistiques choisies, la relation avec le contexte spatial de l’expérience artistique et la définition de l’esthétique des espaces sonores.
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À la recherche des styles d’interprétation du répertoire baroque au piano : analyse qualitative et quantitative des paramètres d’exécution et proposition d’une méthode de travail pour le développement d’une démarche artistique informée et exploratoire en interprétation
Lazarov, Viktor; Traube, Caroline; Caron, Sylvain (2023-06)
Rattachés à la tradition musicale occidentale savante, les travaux présentés dans cette thèse portent sur l’analyse de l’interprétation des œuvres de la période baroque (1600-1750) au piano. L’interprétation a été étudiée en lien avec deux compositions pour clavier seul : un extrait du dernier mouvement de la Partita en do mineur BWV 826 de J. S. Bach (1685-1750) et le Passepied GWV 325 de C. Graupner (1683-1760). Ces œuvres ont été jouées et enregistrées selon trois styles d’interprétation contrastants (romantique, moderne et rhétorique) dans le contexte de deux études expérimentales. Une étude auto-ethnographique a visé le développement d’un protocole d’analyse qualitative et quantitative de l’interprétation d’une œuvre de Bach selon les principes des trois styles. Une étude de cas a permis d’explorer la mise en pratique d’une méthode de travail pour le développement d’une démarche artistique informée et exploratoire en interprétation. Une approche mixte d’analyses qualitatives et quantitatives a été utilisée dans les deux études pour révéler les rapports entre différents types de paramètres d’exécution (dont les variations de tempo, l’articulation, la dynamique, la pédale ou l’expression) et les descriptions stylistiques (dont l’auto- explicitation des participants). En s’appuyant sur une étude de l’interprétation de la musique baroque au 20e siècle, un pianiste (l’auteur de la thèse) a enregistré un extrait de la Partita en do mineur (BWV 826) selon trois esthétiques contrastantes (romantique, moderne, rhétorique). Le jeu du pianiste a été capté en format de données MIDI sur un piano Yamaha Disklavier DC7X. Une description verbale de chaque style a été obtenue suivant la technique de l’auto-explicitation réalisée par le pianiste. Les captations sonores de chaque extrait ont ensuite été présentées à une auditrice experte, spécialiste en enregistrement du piano, ce qui a permis d’obtenir une perspective externe sur les interprétations. Les analyses de l’étude auto- ethnographique ont montré une cohérence entre les descriptions stylistiques, l’auto-explicitation du pianiste, les évaluations qualitatives par l’auditrice externe et les données quantitatives relatives aux paramètres d’interprétation. Ces résultats suggèrent qu’une compréhension des principes d’interprétation aiderait à construire une interprétation dont les attributs paramétriques sont cohérents et conformes avec les postulats stylistiques de départ. Ce protocole de recherche a été approfondi dans une étude de cas réalisée avec une pianiste titulaire d’un doctorat de la Faculté de musique de l’Université de Montréal. Des consignes écrites ont été envoyées à la participante et l’étude s’est déroulée en cinq étapes : interprétation de référence, analyse de la partition par accents immanents, analyse stylistique, interprétation selon les trois styles et interprétation idéale. Les analyses ont confirmé la cohérence entre les règles stylistiques, les propos de la participante recueillis durant des entretiens semi-dirigés et les paramètres quantitatifs extraits de sa performance. Les mesures et les proportions des différents paramètres de l’interprétation ont été établies à l’aide d’une nouvelle technique de « quantification de la perception ». L’analyse qualitative a révélé un sentiment de liberté et de contrôle que la participante a éprouvé en créant son interprétation dans des conditions déterminées et fondées sur des règles. En s’appuyant sur le modèle proposé par l’étude auto-ethnographique, l’étude de cas aura permis à la pianiste de créer un style hybride, original et idiosyncrasique. Ce modèle de développement de l’interprétation peut s’appliquer dans un contexte de formation des musiciens et musiciennes où la connaissance des styles et du contexte historique et esthétique constituera les bases de la création artistique individuelle.
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La liberté selon le jeune Herbie Hancock : transcription et analyse de Inventions and Dimensions à la lumière des enjeux du jazz des années 1960
Garino, Alessandro; de Médicis, François; Waters, Keith (2024-08)
Cette thèse propose une investigation musicologique du troisième album pour Blue Note Records du pianiste étatsunien Herbie Hancock: Inventions and Dimensions (1964). Si, d’une part, l’analyse de cet enregistrement permet d’envisager le processus d’expansion du langage musical qui agite le jazz au début des années 1960, de l’autre, cette entreprise jette un éclairage sur l’évolution de la poétique hancockienne. Négligé par les études sur le jazz, Inventions and Dimensions constitue un véritable manifeste de la pensée musicale du pianiste, dont la production reste jusqu’à aujourd’hui peu étudiée, en dépit de son importance dans le développement du jazz moderne. Ainsi, l’examen de Inventions and Dimensions comble-t-il une lacune musicologique sur la production hancockienne, mais en plus, il invite à réfléchir sur des questions de portée plus large, comme la pertinence des catégories historiographiques de « free jazz » et « jazz modal » et l’impact des traditions musicales afro-caribéennes sur le jazz des années 1960. Afin de situer Inventions and Dimensions dans le processus de transformation du langage jazz des années 1960 et d’évaluer son rôle dans le développement de la poétique hancockienne, la thèse s’appuie sur des transcriptions réalisées par son auteur. Cela impose quelques considérations préliminaires sur la pratique de transcription en jazz, sur sa signification corporelle, et sur les limites intrinsèques de son produit scriptural. Ensuite, la thèse se concentre sur l’analyse structurelle, motivique et rythmique du discours pianistique hancockien dans Inventions and Dimensions, en établissant un dialogue constant avec les autres enregistrements du pianiste de la première moitié des années 1960. Ce faisant, les caractéristiques de la poétique musicale de Hancock peuvent être efficacement illustrées, à la fois dans leur évolution au cours des années 1960 et dans la réalisation particulière qu’elles trouvent dans Inventions and Dimensions. Toutefois, pour encadrer l’album du point de vue historico-musical, il faut aussi en examiner le contenu à la lumière des catégories de « jazz modal » et « free jazz ». Cela amène à souligner le caractère fragmentaire et, par conséquent, problématique de ces enveloppes sémantiques. Inventions and Dimensions exploite aussi des rythmes religieux afro-cubains dont les pérégrinations dévoilent une autre dimension de l’album qui, en plus de traverser les significations musicales et extramusicales associées au « jazz modal » et au « free jazz », façonne autant le langage rythmique hancockien que l’imaginaire musical des années 1960. À l’exemple d’autres enregistrements liminaires de l’époque, Inventions and Dimensions démontre en conclusion comment la variété de langages qui fleurissent au début de la décennie peut être repensée comme le paradigme d’une koinè tournée vers l’affranchissement de canons désormais dépassés.
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Composer pour le ciné-concert : mettre en scène la musicalité du cinéma
Camiolo, Romain; Sokolovic, Ana; Cardinal, Serge (2024-05)
Cette thèse aborde la composition pour le ciné-concert au travers du prisme de la recherche- création. Je décris mon processus créatif de compositeur pour ce spectacle et fait état des différentes influences, culturelles, autobiographiques, théoriques qui l’ont nourri et fait évoluer. Je dégage de ce parcours créatif des éléments qui permettraient de définir le ciné-concert comme un spectacle à part entière – et à enrichir – dans le panorama artistique contemporain. Cette définition passe par une cartographie du dispositif ciné-concert, riche et composite du fait de son interdisciplinarité : cinéma, musique en direct, mise en espace du dispositif. Avec le réseau de tenseurs établi par cette cartographie, je veux montrer les intersections prégnantes que j’ai privilégiées dans mon travail. Je situe ces intersections dans la déconstruction historique du ciné-concert, un travail matérialiste de l’imaginaire, et une conception de la forme comme transformation musicale des affects.
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Figuralisme et techniques spectrales dans un cycle d’œuvres basées sur la théorie taoïste des Cinq éléments
Wang, Yue; LeBlanc, Jimmie (2024-08)
Ce mémoire prend pour modèle les Cinq éléments de la philosophie chinoise ancienne afin d’explorer en profondeur l'expression figurative dans la musique spectrale. La théorie des Cinq éléments, qui constitue une part essentielle de la philosophie chinoise ancienne, explique l'équilibre dynamique de l'univers à travers les interactions entre le métal, le bois, l'eau, le feu et la terre. En analysant et en créant des œuvres basées sur les Cinq éléments, je cherche à combiner ces concepts philosophiques avec les techniques de la musique spectrale, explorant comment ces éléments peuvent être représentés de manière vivante dans la musique. À travers l'analyse des œuvres de compositeurs emblématiques de la musique spectrale, tels que Gérard Grisey et Kaija Saariaho, nous examinerons comment ces compositeurs utilisent les techniques spectrales pour représenter les éléments naturels, tout en résumant l'impact de ces techniques sur l'expression figurative. Ce mémoire analysera également en détail les cinq œuvres du cycle Les Cinq éléments que j'ai composées pendant ma maîtrise, à savoir Méditation Printemps (pour ensemble de 15 instruments), Feu du Sud (saxophone, violon, alto), Shanxi (15 instruments), Métal (bande électroacoustique à 4 canaux) et L'Eau Montréal (15 instruments). Au cours de l’écriture de ces œuvres, j'ai non seulement procédé à une analyse spectrale minutieuse des propriétés physiques de chaque élément, mais j'ai également utilisé des techniques complexes de traitement du timbre et de manipulation temporelle pour transformer ces analyses en matériaux musicaux concrets. À travers cette série d'analyses et de créations, je vise à révéler le point de convergence entre la philosophie ancienne et les techniques musicales modernes, en démontrant comment la musique spectrale peut offrir une nouvelle forme d'expression du concept ancien des Cinq éléments. Cette recherche fournit non seulement de nouvelles perspectives pour la création de musique spectrale, mais ouvre également de nouvelles voies pour l'application des concepts philosophiques traditionnels dans la musique contemporaine.
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Le développement d’un dispositif de spatialisation sonore non conventionnel vers une musicalité en contexte d’installation
Richer, Flo; Bernier, Nicolas (2024-04)
Le présent mémoire fait connaître la démarche de recherche-création ayant mené à la conception de l’oeuvre Terres synthétiques, une installation sonore pour huit enceintes de céramique et haut-parleur d’extrêmes graves. Terres synthétiques s’inscrit dans un corpus d’installations sonores qui engagent les sens du public en favorisant une circulation libre des personnes dans l’espace de l’oeuvre. Un échantillon de vingt oeuvres contemporaines d’art sonore accordant une place sensible à la céramique est présenté dans l’objectif de faire ressortir les contributions particulières de Terres synthétiques. Bien que toute installation sonore soit porteuse de multiples formes expérientielles, associées aux actions de chaque membre du public, Terres synthétiques fait partie de la minorité des oeuvres d’art sonore qui supplémente ces formes expérientielles par une forme musicale algorithmique intrinsèque. Les gestes sonores de Terres synthétiques, composés à partir d’enregistrements de céramique traités, explorent les limites de nos perceptions en alternant entre des sons transformés mais reconnaissables et des sons abstraits. Ils appellent à réfléchir aux indices psychoacoustiques qui permettent d’identifier les origines d’un son. Le dispositif de mise en espace sonore de Terres synthétiques met de l’avant des enceintes de céramique résonantes qui, dans leur facture arrondie, reprennent certains éléments conceptuels des résonateurs de Helmholtz. La diffusion de la composition à neuf pistes de l’oeuvre sur ce dispositif entraine l’émergence d’un espace sonore immersif et évolutif propre à l’espace de l’installation.
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Conception de systèmes de synchronisation son-image pour la performance audiovisuelle : de la définition conceptuelle aux lois de la perception
Patie Pelicaut, Pauline; Boucher, Myriam (2024-08)
Ce projet de recherche-création explore la musique visuelle, en particulier la spatialisation des objets audiovisuels, à travers divers prismes artistiques et théoriques. Parmi ces prismes figurent les illusions esthétiques générées par la synchrèse (relation entre son et image), les principes de perception visuelle, la théorie gestaltiste sur la relation figure-fond, et l’organisa- tion de l’espace influencée par le minimalisme. Chaque œuvre s’articule autour d’un concept qui détermine les forces et les lois d’interaction entre les paramètres du son, de l’image et du système de diffusion. Ce concept est ensuite intégré dans un système dont les paramètres de contrôle, conçus par le compositeur, sont en étroite relation avec lui. Les trois œuvres principales de ce projet, Étude pour Luminoctophonie, Cent-sens, et Drift, illustrent chacune une approche distincte de la mise en espace audiovisuelle. Étude pour Luminoctophonie se concentre sur la création d’un objet audiovisuel visant à provoquer des sensations physiques par des forces telles que l’accumulation d’énergie et le déplacement. Cent-sens développe un système de contrôle de l’objet audiovisuel en manipulant la relation figure-fond selon les principes gestaltistes de la perception visuelle et sonore. Drift fusionne les explorations précédentes en se focalisant sur la dimension physique, notamment les forces centrifuges et centripètes, dans une performance rotative de l’objet audiovisuel, mettant en évidence les défis liés à la complexité du contrôle des paramètres. Ce mémoire souligne l’importance du concept comme fondement de la construction de sys- tèmes audiovisuels cohérents, capables de créer des expériences immersives par une maîtrise fine des interactions entre le son, l’image et l’espace. Dans un contexte marqué par la proli- fération des technologies de performance, ce projet plaide pour une approche minimaliste et structurée, qui vise une compréhension approfondie de la perception pour favoriser l’immer- sion de l’auditeur.
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Weekly Meditations : expériences immersives mises en place par la composition audiovisuelle, l’interprétation et la méditation
Martineau, Jérémie; LeBlanc, Jimmie; Boucher, Myriam (2023-08)
Weekly Meditations est un projet de recherche-création sous la forme d’un cycle de sept oeuvres audiovisuelles pour ensembles mixtes et électroniques. Suivant un désir d’approfondir l’expérience immersive, le cycle intègre des pratiques et mentalités méditatives à tout le processus musical, allant de la composition à l’interprétation, jusqu’à la réception de l’oeuvre et la place du spectateur. Cette intégration expérientielle part de l’hypothèse que la différence du degré de sentiment immersif entre le compositeur, l’interprète et le spectateur peut être atténuée par l’invitation à se placer sur un socle expérientiel commun, soit celui de la méditation. Ce projet de recherche-création tente d’observer, sous un premier axe de recherche, en quoi l’intégration de pratiques méditatives au processus créatif peut renouveler le rôle de l’interprète et, sous un second axe, en quoi la prise en charge de l’ambiance, du lieu et de l’espace vu, entendu et ressenti de la performance peut favoriser le sentiment immersif. Cette prise en charge implique une multidisciplinarité explorée sous l’angle d’une pensée réellement mixte où les dimensions instrumentale, électronique, visuelle et spatiale sont prises en charge de façon à créer un tout intégré plutôt que de simplement les additionner les unes aux autres. Une méthodologie oscillant entre théorie, pratique et évaluation a été utilisée tout au long du processus créatif, permettant de définir les implications esthétiques et techniques des nouvelles ressources utilisées et de conceptualiser les différents paramètres musicaux, visuels et conceptuels dans l’optique d’une approche immersive, autant pour les spectateurs, les interprètes que le compositeur. L’intégration de pratiques méditatives, en plus d’une prise en charge de l’espace audiovisuel semblent — suite à de nombreuses répétitions, concerts et données acquises par des sondages effectués sur les spectateurs et les interprètes — indiquer qu’ils peuvent grandement contribuer à l’immersion lors du concert. Ce sentiment immersif est toutefois sujet à de nombreuses conditions, telles que la disposition mentale, la familiarité avec son instrument et les pratiques méditatives, ainsi que la charge interprétative lors du concert, soit un degré de virtuosité trop élevé ou un trop grand nombre de manipulations à exécuter. Ce présent mémoire établi les fondements théoriques reliés à l’immersion, à la prise en charge de l’espace audiovisuel et aux pratiques méditatives et leurs implications sur les pratiques d’interprétation et de composition, pour finalement analyser comment chaque oeuvre du cycle met en pratique les différents concepts théoriques de façon à répondre aux axes de recherchecréation mentionnés ci-haut.
Accès libre
Stratégies pour une approche mixte de la création en studio : composition de trois œuvres conceptuelles
Couturier, Gabriel; Michaud, Pierre (2023-12)
Le studio est un outil pour la composition et la création de musique. Celui-ci est utilisé de différentes manières selon l’œuvre et la tradition. La première partie de ce mémoire trace les développements de conditions de création des studios d’enregistrement, expérimentaux, du son à l’image, multipiste et instrumental pour distinguer leur utilisation en différents contextes de création. Une seconde partie présente l’analyse de trois œuvres composées durant cette maitrise dont Masque de Fer, Cycle des vents et Golimbus. Ces œuvres ont été créées à partir de différentes méthodologies afin de mieux comprendre les considérations méthodologiques et conceptuelles traditionnellement attribuées au studio. Cette recherche-création a donc pour but de démontrer le rôle et le potentiel du studio dans différents contextes et ouvre un questionnement sur les variables déterminantes de mon processus de composition et de création.

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